オーケストラ・アンサンブル金沢第363回定期演奏会

2015年6月22日　石川県立音楽堂コンサートホール

指揮　　　　　井上　道義
ヴァイオリン　五嶋　みどり

今日は五嶋みどりの登場とあって、久しぶりのチケット完売、補助席まで出る賑わい。

今日のプログラムは前半がロッシーニ「シンデレラ序曲」、五嶋みどりを迎えてのシューマンのヴァイオリン協奏曲、後半がブラームスの交響曲第2番。

ここのところのOEKは井上監督の指揮の際、緊張に満ちた、充実したアンサンブルを聴かせるが、今日も実に内容の濃い演奏。

その好調さは、最初のロッシーニで早々と聴かれた。弦、管とも、実に鮮やかなアンサンブル。そして、ロッシーニ特有の音楽的興奮を呼び起こすようなリズム。そして、ロッシーニクレッシェンド。

小気味良いリズムが刻まれ、魅惑的な旋律が豊かに歌われ、嬉々とした音楽的興奮が満ち満ちている。

ロッシーニの音楽の魅力が全開の演奏。

さて、ロッシーニの楽しさから一転、シューマンの鬱々とした暗さは対照的。

シューマンの作品は全般に鬱々とした感情が支配しているが、この作品の暗さは際立っている。

それ故に、どの様に表現するか、再現者の個性が問われる作品とも言えよう。

五嶋みどりは、決してヴィルトゥオーゾ的に表面的に美しく表現しようとはしない。

まるで、シューマンの異常な内面に寄り添うように、優しく、そして共感しようと努力するように深く静かな感情を湛えて表現する。

もっとわかりやすく、明快に美しく演奏することは容易いこととも思えるが、五嶋みどりの表現はこの作品の本質はそこにないと語っているかの様でさえある。

声高に叫ぶことの決してない、しかしじわじわと高まっていく内面からの叫びとでも言えようか。

それにしても、この様な深く優しい響きに満ちたヴァイオリンの響きは聴いた経験がない。

2楽章のチェロとの対話する旋律の病的な暗さ、3楽章の屈折した冷たい笑いのような表現。

理解しがたい感情の表現がいつまでも続く。

聴衆のヴラヴォーの歓声が、「それはないだろう」とさえ、感じさせられる理解しがたい複雑な感情の余韻が残る。

井上監督のOEKもそのヴァイオリンに寄り添い、重くて、複雑な響きを聴かせ秀逸。

休憩後はブラームスの2番の交響曲。

余りに重いシューマンを聴いた後だけに、ブラームスの暗ささえも明るく聴こえる。

もっとも、この2番はブラームスにしては、珍しい素直な明るさを湛えた作品ではあるが。

滔滔とした流れのように泰然としたテンポで始まり、徐々に高まっていく感情の表現は鮮やか。

古典的なしっかりとした表現の中に、ロマン的な息吹が充満している。

OEKのアンサンブルも弦の厚い響きと、柔らかい管の歌とが溶け合い、ブラームス特有の分厚い響きが聴こえる。

1楽章の音楽的感興の自然な高まり。低音主題の繰り返しが徐々に、誇張はないが、確実に高まっていく。

2楽章の古典的な枠組みの中での瑞々しいロマン性の充満、3楽章の優しい舞曲を経て4楽章で弾ける喜び。

ここでも決して乱暴にならずに、嬉々とした喜びの感情が描かれる。

「良いブラームスだった」、といえば十分の演奏。OEKは弦・管とも、やさしい響きでありながら、分厚いしっかりとしたアンサンブル。今日はフルートにゲストプレーヤーの工藤重典が座り、管楽器

群をしっかりと束ねていた。

ブタペストフィルハーモニー管弦楽団演奏

指揮　西本　智実

2015年6月5日　オーバードホール

ブタペストフィルはハンガリー国立歌劇場のオーケストラとの事で、ウィーンフィルとウィーン国立歌劇場管弦楽団との関係と同様の様だ。1853年の創設というから、かなり歴史の古い伝統あるオー

ケストラの様だ。マーラーの指揮による交響曲1番の初演もこのオーケストラによって行われたとのこと。

今回の日本公演は二人の指揮者により行われているが富山公演は西本智実が指揮。

プログラムは前半がベートーヴェんの「コリオラン序曲」、モーツァルトの交響曲41番、後半がベートーヴェンの交響曲7番。宣伝用のチラシには、「コリオラン序曲」が抜けていたのはどうしたこと

か。

オペラ座のオーケストラらしく、それ程技術的に抜きん出ているサウンドではないが、弦の柔らかい音色を中心に、東欧らしい素朴な音色を感じさせるオーケストラ。

西本はロシア系のオーケストラを中心に指揮をしている様だが、この様な響きのオーケストラとは相性が良いようだ。

それ程個性的な解釈を行う指揮者でもないので、面白さも感じない、極く安全運転の指揮ぶりだが、オーケストラをコントロールするテクニックはしっかりしており、安定した演奏。

最初の「コリオラン序曲」、部分的にテンポを動かす箇所もあるが、全体的にはテンポも中庸、かっしりとした枠組みを提示し、均整の取れた演奏。

次のモーツアルトの40番。ここでも、極端な演出は施さず、極々自然な流れの音楽。

ただ、モーツァルトは中々難しい、この様に無難な演奏では残念ながらモーツァルトの肉声が隠れてしまって聴こえてこない。だだ、美しく流れる音楽ではモーツァルトは無いはず。

細部にわたる神経の行き届いた表現、それでいて全体をしつかりと表現する技が欲しい。

それは、演出をするとか、抑揚をつけるとかいう範疇の事ではなく、再現者がどの様にモーツァルトを表現したいかという意欲が聴こえると言う事。

それは、次のベートーヴェンの7番でも同様。安全運転のみでは、この作品の熱狂が聴こえてこない。

このあたりが、西本の課題ではなかろうか。自らの音楽表現の個性がもっと聴こえてきたらと感ずる。

アンコールの「フィガロの結婚」序曲は素晴らしい演奏。オーケストラも生彩に満ち、弦楽器の柔らかく厚い響き、管楽器の生き生きとした歌、さすがにオペラ座のオーケストラ。

聴衆も良く判っていて、本番への拍手よりも、アンコールに対する拍手がはるかに熱を帯びていた。この様な、熱狂をいつも呼び起こす指揮者だったらと思う。

庄司沙矢香・ジャンルカ・カシオーリ　デュオ・リサイタル

2015年6月2日(火)　入善コスモホール

私の記録によると、2005年12月、2009年1月、2010年10月、2012年10月の4回が記録されている。

2005年、2009年はピアノがイタマール・ゴラン、そして201年からはジャンルカ・カシオーリとの共演。

毎回凝縮された演奏で深い感銘を残してくれたが、今回も深く豊かな音楽世界。

毎回個性的なプログラミングであるが、今回は前半がモーツァルトのソナタ35番K.379、ベートーヴェンのソナタ6番Op.30-1、後半がストラヴィンスキー、イタリア組曲、最後がラベル、ソナタ。

2010年にオールベートーヴェンプロが入っていたので、ベートーヴェンのソナタは3、5、6、7、9番と演奏したことになる。カシオーリとはCDでベートーヴェンの全曲を録音しているので、次回あ

たりは出来ればまとめて聴きたいという欲もでる。

さて、毎回聴くたびに感ずる事が、今回は一層鮮やかに感じられた。

それは、各曲の性格を深いところで忠実に再現しようとする姿勢とでもいおうか。

それは、作曲家の作品に籠めた精神・思索を聴衆に正確に届けようとする強い意思だ。

ただ、漫然と楽譜を辿るのでない、音符に籠められた作曲家の世界を自分のヴァイオリンでどの様に再現するかという、プロの音楽家にとってあたりまえではあるが、非常に難しい課題に、常に挑戦し

続ける庄司の努力である。

文学や美術と異なる、介在者がいるという音楽にとっての難しさと、故にの面白さを聴くたびに私たち聴衆に届けてくれる。

モーツァルトのソナタ35番では、長調ではあるが、明るい中に悲しさをたたえたモーツァルトの心情が迫る。

ピアノのカシオーリはロマン的なアプローチだが、庄司のヴァイオリンは虚飾の無い誠実な響き。

素っ気無い様に聴こえるが、音に奥深い思索が籠めらている。表面的には、古典的な形式をしつかりと表現した格調高い演奏だが、モーツァルトの深い精神性を感ずる演奏。カシオーリのピアノの豊か

な表情と音色も魅力的。

ベートーヴェンも、初期ベートーヴェンの覇気溢れる世界が展開。ここでも、ヴァイオリンは決して軽くならない、緊張に溢れた重量感ある響き。それが、ベートーヴェンの激しさを重厚に表現。カシ

オーリのピアノも古典的な形式感の中に情熱をたたえ、庄司の音楽を支える。2楽章のヴァイオリンとピアノの静かな、しかし寂しい表情がただよう対話が実に心に染み入る。

休憩を挟み後半は前半とガラリと色彩が異なる世界。

ストラヴィンスキー「イタリア組曲」はストラヴィンスキーの新古典主義の時代の作品だが、色彩感と、遊びの要素に溢れた作品。モダンではありながら、ロシア的な素朴さも感じさせる作品だが、庄

司は野生的な素朴さを強調するような表現、わざわざ奏法に粗っぽい表情を加えたりしてこの作品の特徴を浮き彫りにしていた。

各章の色彩感と表情も実に豊か。

最後はラヴェルのソナタ。

1楽章のしつかりとした形式感の中に溢れる魅力ある歌、2楽章のうらびれたブルース、3楽章の圧倒的な激情と、内容のぎっしりと詰まった作品。

1楽章の艶やかな音色、しっかりと形式感を大切にしながらのラベル独特の歌の表情、時には日本的とさえ感ずる旋律が豊かに歌われる。2楽章のブルースの倦怠感に満ちた、寂しげな情景の表現も秀

逸、ピアノも独特のリズムを巧みに刻む。

3楽章は怒りか、激情か。技巧的で激しいパッセージが連続し、終結部に向かい、どんどん驀進する。急速で激烈なパッセージだが、細部まで表情付けがクリア。この激しい3楽章で晩年のラベルは何

を表現していたのか、暗い時代への怒りか、老いていく自分への絶望か、そんな事を考えさせる演奏。

アンコールは、シューマンの様だが、しっとりとした濃い色合いの歌。

聴くたびに、新しい境地を聴かせる、庄司沙矢香、実に誠実で魅力溢れるヴァイオリニストだ。

モーツァルト　歌劇「フィガロの結婚」͠庭師は見た! ͠　新演出

2015年5月26日(火)　金沢歌劇座

アルマヴィーヴァ伯爵：ナターレ・デ・カロリス
伯爵夫人：テオドラ・ゲオルギュー
スザ女（スザンナ）：小林沙羅
フィガ郎（フィガロ）：大山大輔
ケルビーノ：マルテン・エンゲルチェズ
マルチェ里奈（マルチェリーナ）：森山京子
バルト郎（ドン・バルトロ）：妻屋秀和
走り男（バジリオ）：牧川修一
狂っちゃ男（クルツィオ）：三浦大喜
バルバ里奈（バルバリーナ）：コロン・えりか
庭師アントニ男（アントニオ）：廣川三憲

合唱　金沢フィガロ・クワイヤー

管弦楽　オーケストラ・アンサンブル・金沢

指揮・総監督　井上　道義

演出　野田　秀樹

従来のオペラの枠に全くとらわれない、それでいてモーツァルトのこのオペラの真髄を見事に表現した舞台、野田秀樹の奇才に驚くと共に、井上監督の音楽舞台表現の豊かさに酔いしれた3時間余りだ

った。

舞台を、日本長崎に移し、伯爵夫妻が長崎に到着し、その屋敷で起きる男女のドタバタ劇を、庭師アントニ男(アントニオ)が目撃すると言う演出。「庭師は見た!」は、市原悦子の人気TVドラマを想起

させるネーミング。

設定は奇想天外だが、それが違和感を少しも起こさせない。もともと、このオペラの本来の時代設定もそれ程重要ではないと思わせる仕掛けが面白い。

美しい花々が描かれた3つの大きな箱と、×印に組まれた4本の細く長い柱があるだけのシンプルな舞台で開始。

この箱と、長い柱がこの後の舞台で様々な変化を起こし、見るものの想像を掻き立てる。

そして、衣装、伯爵と伯爵夫人は西洋風の衣装だが、その他は、ケルビーノを除き、日本人との設定なので、日本人風の衣装を着ているが、どちらかというと国籍不明に近い衣装。

そして、更にユニークなのは、歌・台詞が、日本語とイタリア語が混在している事。伯爵夫妻とケルビーノは基本的にイタリア語だが、その他の日本人出演者は歌も、台詞も日本語。このやりとりが不

自然でないのが不思議。更には、訳詩は野田秀樹自身が基本的に行っているとのことだが、この訳が実に巧みで面白い。更に、モーツァルトの音楽にピツタリと合い、モーツァルトの音楽に日本語で歌

う不自然さが少しも無い。今まで、邦訳のオペラも見た事があるが、多くは不明瞭な日本語で、これなら原語で字幕で訳してくれる方が余程ましと感じることが多かったが、今回は極めて自然。ドラマ

の流れに音楽と共に日本語と原語の会話が自然に流れ気持ちよく聴ける。モーツァルトの音楽の愉悦を日本語と共に感じることが出来たのは稀な経験。正面上部に字幕はあり、そこに日本語の歌・台詞

を含め、総てが訳詩として表示されるが、それも必要がない程の自然な流れ。

そして、この訳のユニークさについていえば、語られている台詞の裏に隠されているセリフまでも、ご丁寧に字幕に表示される場合があること。モーツァルトのドラマでは、台詞の裏に秘められている

人間の裏の言葉の面白さがあるのだが、それをご丁寧にも字幕に表した例を知らない。これは、野田秀樹の遊び心か。

舞台の開始は序曲ではなく、庭師アントニ男が庭の手入れを行っているところから始まる。序曲開始の5分ほど前から、チョキンチョキンと木の手入れをしている。そこへおもむろに指揮者が登場、序

曲が開始されるという趣向。

このオペラの筋書きはかなり複雑で、理解しにくい部分も多いのだが、その辺りを丁寧に理解し易いよう演出している手腕は見事。

更に随所に仕掛けがあり、喜劇としての面白さも抜群。モーツァルトの毒気を様々な表現方法で表現。

例えば、歌舞伎や人形浄瑠璃の所作を取り入れたり、番傘を小道具に使うなど、これでもかという面白さに場内が沸く場目面も多々。

歌手は総て優秀だったが、ユニークなのは、ケルビーノにカウンターテナーを配置した事。通常はメゾソブラノの女性がケルビーノという悪戯者の小姓を演ずるが、なるほどカウンターテナーだと、こ

の中性的な役回りがぴったりで適役。

貴族社会の権威を痛烈に皮肉ったという面ももあるこのオペラだが、それだけではなく、男女、そして人間総ての持つ裏と表の面白さ、男女の騙しあい、しかし底にはそれら総てを人間の素晴らしさと

歌い上げるモーツァルトの音楽の本質、そのあたりを様々な表現手段を使い表そうとした実に内容豊かな舞台。

そして、勿論、彩る音楽の多彩な表情。

ピットに入ったOEKは、井上監督の歌心溢れた表情を見事に表現、生き生きとした響きで、全体を支配。

伯爵のナターレ・デ・カロリス、伯爵夫人のテオドラ・ゲオルギューは声質もぴつたりの熱唱、ケルビーノは先述したとおりカウターテナーのマルテン・エンゲルチェズだが、有名な「恋とはどんなも

のかしら」のアリアなど聴かせどころ満載、そしてスザン女の小林沙羅の熱演など、歌手陣も充実。

数多く歌われる重唱の部分は、モーツァルトの十八番で、それぞれが自分の思いを別々に歌い上げる聴かせどころだが、充実したアンサンブル。

更に狂言回し役の庭師アントニ男役の俳優廣川三憲の道化役の熱演も光る。

地元を中心とした(地元お助け合唱団というプラカードを掲げていたが)、オーデションで選考されたという金沢フィガロ・クワイヤーも合唱に役回りにと大活躍。

大変な準備期間とスタッフの熱意で実現されたと思われるプレミアム公演、本当の意味でのプレミアム公演を見た気がした。

ラ・フォル・ジュルネ金沢　「熱狂の日」音楽祭2015

2015年5月4日(月・祝)　石川県立音楽堂・コンサートホール・邦楽ホール　　アートホール

ラ・フォル・ジュルネ金沢も今年で8回目、早いものである。最初は運営上様々な問題点もあったようで、それらを経験と年月が解決し、昨年あたりから手馴れた運営で混乱も少なく、落ち着いた音楽

祭となってきた。

８年前の初回の混乱と熱気が嘘のような、落ち着いた音楽祭となった。

昨年も10万人を越えたとのことだったが、今年はどうだったのだろうか。

やや、聴衆が少なめな様な感もあったが、内容的には今年も充実した音楽祭と感じた。

北陸新幹線が開通し、金沢駅周辺は大変な混雑だが、音楽祭はそれとは無縁のような静けさを保っていた。

今年も、普段中々聴くことの少ない、世界の演奏者たちが金沢に集まり、充実した音楽を聴かせてくれた。

今年のテーマは「パシオン・バロック　　バッハ・ヘンデル・ヴィヴァルディー」

実に大きいテーマで、紹介されたのは極々一部で、少々間口を広げすぎのテーマではないかとも感じた。

バッハ、ヘンデル等は規模の大きな声楽作品が目白押し、ヴィヴァルディーにしても膨大な作品群、短期間ではその一部すら紹介する事も到底不可能、その点では極めて難しいテーマ選択ではなかった

ろうか。

その為、プログラミングもやや散漫、焦点が絞りきれていないもどかしさも感じた。

今年は家庭の事情で4日一日のみ8プログラムの観賞となった。

他にも聴きたい注目すべき演奏家、作品も多く、個人的には心残りとなった。

それぞれの演奏家たちは個性的で魅力があったが、その中で印象に残ったのは、やはりピアニストの仲道郁代、又OEKと共演した松原混声合唱団の確かな実力など。

オーケストラ・アンサンブル金沢第363回定期演奏会

2015年3月20日　石川県立音楽堂コンサートホール

指揮　　井上　道義
ピアノ　仲道　郁代

井上監督は病からの復帰後、金沢で2回指揮台に立っているが、ファンタジーコンサートとニューイヤーコンサートなので、今回が復帰後初の本格的なプログラムでのコンサート。それだけに、非常に

楽しみにしていたコンサートだが、期待を裏切らない個性的で、生命感溢れる演奏を聴かせてくれ、見事な復活コンサートとなった。

プログラムは非常に大きなもので、前半がベートーヴェンのピアノ協奏曲4番　-ピアノ　仲道郁代-　、休憩後シューベルト交響曲8番(9番ともいう)、前半にもう一曲、ペルトの「フラトレス」とい

う小品が入った。

ペルトはエストニア出身の作曲家で、ギドン・クレメルが良く取り上げるし、OEKでも井上監督が取り上げた事があるように記憶しているが。

現代音楽でありながら、旋律が美しく、くり返しの美というか、音楽の作り方がある意味個性的で、一度聴くと長く印象に残る作曲家。今日の作品も同様で、最初に独奏ヴァイオリンのやや激しいパッ

セージがあるが、概して静謐で、大太鼓とバチ、あるいは拍子木の様なパーカッションが独特のリズムを刻む中、弦楽合奏が実に印象的なフレーズを繰り返していく、祈りを感ずるような作品。パーカ

ッションは舞台裏に置かれ、遠くから聴こえてくるという演出。

指揮者も椅子に座り、オーケストラと指揮者、独奏ヴァイオリンが3者とも静かな一体感を保ち、緊張した弦楽合奏の響きを作り上げていた。

ベートーヴェンのピアノ協奏曲4番。仲道郁代は、音色が柔らかく気品ある音楽を作る印象で、その長所の反面、ややおとなしいという印象を過去抱いてきたが、今回はその思いが覆されたような、格

調とスケールのある、気品溢れる演奏を聴かせてくれた。、実にのびやかに音楽が流れ、自由闊達でありながら、全体のがっちりとした構成感は崩れる事がない。

1楽章の主題がいきなりピアノで奏せられるが、その出だしは、5番の交響曲同様、その日の演奏の成否を決めるような重要な箇所であるが、仲道は実にふくよかで緊張に満ちた主題の提示でこの作品

の全体像を鮮やかに提示。

オーケストラも初めはやや不安定なアンサンブルだったが、進むにつれて弦と管のバランスも気持ちよく、井上監督の意図する、構成がしっかりとしていながら、誇張の無い自由な音楽をしっかりと表

現していた。

ピアノは鮮やかな技巧をを展開していくのだが、自らをひけらかすようで無く、オーケストラと対話をしながら、ベートーヴェンの音楽の雄大な美しさを展開していく。

2楽章の弦楽器群とピアノの対話の部分、井上マエストロは決然とオーケストラを鳴らし、ピアノはそれに反し優しい表情で答えを返す部分、ピアノの表情が実に豊かで、まるでドラマをオーケストラ

とピアノが演じているような印象。

3楽章も、表面的な華麗さとは無縁だが、しっかりとした明確な、しかし柔らかい音色でこの作品の魅力を紡いでいく。

ピアノ、指揮者、オーケストラ3者のこの音楽への捉え方が一致している、ある意味室内楽的魅力を感じるような演奏。

古典的な均整のとれた形の中に、ロマン的な心情を自在に展開した演奏ともいえる。、それがこの作品の真の魅力なのだと納得のいく演奏。

このスタイルは次のシューベルトでも同様だった。

非常に長大なので、

聴かせる小細工をしたくなるような作品なのだろうが、井上マエストロはその様な仕掛は全く行わず、シューベルトの本来の魅力である美しい旋律を、古典的な形の中でいかに展開するかということに

腐心していることが良く聴き取る事が出来る演奏。

実に内容は豊かで、オケの緊張は最後まで持続しながら、しかし決して力む事が無く、シューベルトの純朴で優しい音楽が豊かに鳴り響く。 

序奏部の雄大な旋律も、まるで室内楽を合わせるように、各パートの旋律が浮き出すように明快に、かつ柔らかく響かせていた。それにしても、出だしのホルンの柔らかい音色は素晴らしい。朗々と吹

き鳴らす事も簡単であろうが、この様に柔らかく響かせるのは難しい事だし、それに答えたホルンも見事。

この序奏部にマエストロのこの作品に対する姿勢が端的に表されていたように思える。

今日の演奏では珍しく、正面にコントラバスが並べられていた。これは、かつて岩城宏之監督がブラームスを演奏する際の配置。又、ティンパニーもベートーヴェンではバロックティンパニーを使うが

シューベルトでは通常のティンパニーを使うなど、音色に対する井上マエストロの細かい思惑があった様に感じた。

ソナタ形式の長い第一楽章も、色彩豊かにシューベルトの美しい旋律が次から次へと展開されるので、長さを感じない。

2楽章の格調高い主題の後、中間部の旋律が非常に丁寧なアンサンブルで奏される部分、3楽章中間部の民謡風な木管の旋律の表情の豊かさなど、この作品の魅力があまねく表現されていた。

4楽章の喜びに満ちた楽想が徐々に高まっていく様子は、心ときめく部分だが、ここでも節度のある高まり。

終結部もけつして粗っぽくならず、エンディングも驚くほどさらっと終わる。

色々なパフォーマンスが時には鼻につくこともあるアルマエストロだが、音楽はそのパフォーマンスとは正反対の誠実で暖かいもの。シューベルトの音楽が持つ、素朴で優しい暖かさを強く再体験させ

てくれた演奏。

牛田智大ピアノリサイタル

2015年3月8日　入善コスモホール

2日続けてのコンサートとなる。今日は久しぶりの入善コスモ。今年は6月に庄司沙矢香-カシオーリ、9月に成田達輝-萩原麻未と魅力的なコンサートが企画されている。

牛田智大、15歳のピアニスト。既に少年ピアニストとして絶大な人気を集めている。今日はこのホール久しぶりのほぼ満席で、このピアニストの人気を物語っている。子供たちの姿もチラホラ、ピアノを習っ

ている子供たちの憧れなのだろう。

今日のプロラムは前半が、モーツアルト、ソナタK331「トルコマーチ付き」、ショパン「バラード1番」、リスト「死の舞踏」、後半がシューマン「トロイメライ」、ショパン「別れの曲」、リスト「ラ・カンパネラ」、最後が

ラフマニノフ、ソナタ2番。

モーツアルトはやや重い。もう少し音に軽やかさがとも思うが、ペタルを使いすぎるのか、残響が被り、全体にモーツアルトらしい清清しさに欠けるきらいがある。

1楽章はかなりテンポも動かしながら、思い入れ強く弾かれるが、これもやや感情過多。

3楽章「トルコマーチ」は、テクニツクは鮮やかだが、単調さは否めない。モーツアルトの難しさか。

ショパンのバラード1番。やはり、細部のニュアンスに重きを置くあまり、全体のドラマのイメージが湧いてこない。ドラマティツクな作品なのだから、全体の構成をもっときっちりと表現されたらと欲が出る。

リスト「死の舞踏」、後半の「ラ・カンパラ」などこの様な作品が現在の彼に最も会っている気がする。

リストの鮮やかな技巧が冴えていて気持ちよい。

後半の「トロイメライ」、「別れの曲」など小品は、やはり感情移入の強さは気になるが、それなりに美しく聴かせる。

最後のラフマニノフのソナタ2番はなかなかの熱演。相当な技巧を要する難曲だろうが、タッチの強さ、粘っこいうたわせ方で圧倒する。

まだまだ若いピアニスト。だからこその、かなりの背伸びがまだ邪魔していて、作曲家の描こうとしている世界より自分の思いが先走るような傾向が強いが、15歳の少年のやむを得ない面であろう。

15歳でこの技巧と表現力の強さは驚きではある。

今後、どの様に変貌 を遂げていくか、楽しみではある。

オーケストラ・アンサンブル金沢第362回定期演奏会

2015年3月7日　石川県立音楽堂コンサートホール

指揮　マックス・ポンマー

今回の指揮者はマックス・ポンマー

不明を恥じるが、私には初めて聞く名前。プログラム等の経歴をみると、かなりのベテラン、ライプツィッヒからの来日だ。その後調べてみると、かなりの経験を持つ名匠であることがわかる。今年5

月からは、札幌交響楽団の首席指揮者に就任とのこと。ゲルハルト・ボッセとも深い親交があつたとのこと。年令も1936年生まれだから、79歳ということか、かなりのベテラン指揮者だ。

今回はバッハの管弦楽曲1番と3番の間にドイツ現代の作曲家フランケとハイドンの交響曲82番「熊」が入ると言うプロ。

特に個性的な指揮ではないが、実に落ち着いた音楽性豊かで、滋味溢れ、かつオーケストラのアンサンブルを巧みに操る、ベテランらしい演奏。OEKの音がこんなに柔らかく、落ち着いた音であった

かと驚くような響きを生み出していた。

バッハの管弦楽組曲1番。弦楽合奏にオーボエが2つとファゴットが入る、小さめな編成。オーボエが主導的な役割を果たすため、最前列に協奏曲の奏者のように配置されている。演奏のスタイルはピ

リオドなのだろうが、響きは非常に暖かく、アンサンブルが柔らかく溶け込み、優美なバッハ。

2つのオーボエとファゴットの活躍が見事。ポンマーの指揮はそれほど大きな動作は無いが、かなり細かく指示が与えられており、その指示通りに音楽が波打つ様が見事。各パートの音量のバランスが

良くコントロールされているため、クリアでありながら、厚みのあるアンサンブルとなっている。

テンポは中庸だが、ところどころで大きくテンポ動かす箇所もあるが、それが全体のバランスを乱すのでなく、作品の起伏にはまっているので、実に心地よい。

2曲目は現代ドイツの作曲家フランケの「イエロー・クラウズ(2009)」

編成は弦楽器のみで小ぶり。

全体に瞑想的な雰囲気が支配するが、次々と新しい主題が展開し、中間部ではやや高揚した力強さも聴ける。

ここでは、やはり弦の厚いアンサンブルが際立つ。終結部の独奏チェロの分厚い響きが実に印象的。

休憩を挟み、ハイドンの交響曲82番「熊」

1月定期でヴラダーが83番「めんどり」をとりあげたので、2ヶ月の間で珍しく2つのハイドンを聴くこととなる。

ポンマーのハイドンはバッハ同様、衒いの無い暖かく優美なハイドン。

ティンパニーに小型のバロックティンパニーを使用。バロックティンパニーは、ピシピシと決まる、硬めの音が特長だが、ポンマーはアンサンブルに溶け込ませ、突出する事を避けながらも、アンサ

ンブルの核として響かせるので小気味良い。

ハイドンの交響曲の演奏スタイルとしては、もっとリズミックで泡立ちのよいくっきりとした演奏が多く、先日のヴラダーの演奏もその様なスタイルであつたが、ポンマーはもっとふくよかで柔らかい。

4楽章の「熊」のニックネームとなった低音弦は、思い切り強調するなど、随所に仕掛けはあるのだが、それが嫌味にならず、全体の構成を乱す事がないのはさすがである。

ゆつたりとしたスケールの大きなハイドン、小気味の良いハイドンも良いが、この様に悠然としたハイドンも実に良い。

最後はバツハの管弦楽3番。「アリア」があまりにも有名だが、バッハの最も有名で、輝かしい組曲。

「序曲」の気宇壮大なトランペットと弦楽器の始まりはバロツクの最大の魅力を発揮している。

ポンマーはここでも、極端に壮麗さを強調するでなく、優しさと柔らかな音楽、しかし泰然としたバッハの音楽を表出。

「アリア」も、感傷的でなく、格調の高い厚みのある弦の響き。

続く舞曲も、バロックらしい素朴さに満ちている。

ギラギラとした個性を聴かせるのでなく、音楽そのものが自然に鳴ってるかのごとくなのに、そこに指揮者の個性がくっきりと浮き出ている、やはり名匠の技なのだろう。

強烈な音楽の記憶ではないが、「ああ、あの時暖かい音楽を聴いたな。」という思い出が蘇ってくる様な音楽、とでも言おうか。

OEKは、弦も管も今日は実に美しかった。

指揮　トゥガン・ソフィエフ

ヴァイオリン　ルノー・カプソン

毎年今頃の時期に行われる「東芝グランドコンサート」、春を告げるコンサートの様に思えてきた。

今年は、フランスからトゥールーズキャピタル管弦楽団がやってきた。

指揮は最近売れっ子の若手、というよりももう中堅のトゥガン・ソフィエフ、ヴァイオリンにフランスのルノー・カプソンという実力者。

トゥールーズはフランス南西部、スペイン国境に近い世界遺産にも指定されている、古く美しい町の様だ。

町全体が、レンガ色に覆われている古の古都というイメージか。古都と言う点では、金沢と似ているのかしら。

この美しい町に育ったトゥールーズキャピタル管弦楽団は、良い意味でのローカル色を強く持ったオーケストラという印象。

世界が狭くなり、どこの町のオーケストラも相似形になっているこの頃、個性を持ったオーケストラは貴重な存在。

このオーケストラは、トゥールーズの古い町を想起させる様な、暖かく素朴な響きを持っている。

そのオケをロシアの中堅ソフィエフがどの様に色付けしていくかという興味ある一夜。

この日のプログラムは前半が、ドゥビュッシーの「牧神の午後への前奏曲」、ルノー・カプソンを独奏者に迎えてのサン・サーンス、ヴァイオリン協奏曲第3番、後半がムソルグスキー・ラベル編曲の

「展覧会の絵」

「牧神の午後への前奏曲」の開始のフルートの音色。太く艶やかで、かつ音量が大きい。

フランスの管というと、明るく鮮やかな印象を持つが、このフルートはもっと重く暗い音色。その後のホルンの木管のような柔らかさと重なり、実に厚ぼったく柔らかい。シャープな音色でなく、む

しろ古色蒼然とした響きとも言えようか。これは、このオーケストラの個性なのか、指揮者ソフィエフの個性なのか、いやそれらが混然として生まれたアンサンブルか。

色彩鮮やかな印象派でなく、霧のベールの向こうから見えてくるような芒洋とした印象派。

次のサンサーンスのカプソンの出だしの音色も、将に同一の印象。鮮烈に切りこんでくるサン・サーンスでなく、落ち着いた艶やかで深い音色。これは、やはりティボー、デュメイ等からつながるフ

ランスのヴァイオリンの伝統か。

それにしても、サン・サーンスのこの協奏曲は聴かせどころ満載のメーロディーのオンパレード。

ヴァイオリニスとしては、思う存分華麗に弾きまくりたいところだろうが、カプソンはとても丁寧に一つ一つのフレーズを歌い上げ、決して表面的に派手にはせず抑制的。それだからこそ、サン・サーンスのこの作品の魅力が見事に浮かび上がる。これ見よがしにすると、少々鼻につくところを、この様にじっくりと聴かせると、しみじみとした魅力がにじみ出る。

ソフィエフ率いるオーケストラも同一のスタンスで落ち着いた、堂々としたハーモニーでバックを支える。

3楽章の展開部の有名な主題の歌わせ方、ヴァイオリンもオーケストラも気宇壮大。弱音の美しさも際立つ。

ヴァイオリン、オーケストラとも優雅典麗な魅力溢れる演奏だった。

休憩後はムソルグスキー・ラベル編曲の「展覧会の絵」。

これも、様々なスタイルの名演奏が並ぶ名曲。40数年前に金沢観光会館で聴いた、オーマンディー・フィラディルフィアの、まるでホールが割れるようなエンディングの「キエフの大門」の輝かしさ

は今も耳に残っている。

ソフィエフはロシア出身の指揮者、そしてラベルのフランスのオーケストラ、興味ある選曲だ。

ソフィエフはフランスのオーケストラを率いながら、ロシアの大地を感じさせる、地の底から湧き上がる様な力ある響きを聴かせてくれた

プロムナードのトランペットの響きも派手でなく、落ち着いた力のある響き。

「古城」のアルトサツクス、随所で活躍するコール・アングレ、フルート、オーボエ等木管の艶やかな響き、チューバ、ユーフォニューム等金管の低音楽器の柔らかな音色、このオーケストラのアンサンブルの見事さが際立つ。

「ビドロ」「カタコンブ」等の暗く重い表情、「ババヤーガの小屋」のグロティスク表情など、各曲の個性も際立ち、面白い。

「サミエネゴールドベルクとシュミーレ」の低音弦の切れがありながら重い響きなど弦も管と調和し、厚く豊かな響き。

最後の「キエフの大門」は、壮麗と言うより。重戦車が行くような重さを感じさせる。これは、明らかにソフィエフの意図であろう。

アンコールは、ビセーの「アルルの女からメヌエット」と「カルメン前奏曲」で華やかな締めくくり。

個性あるオーケストラと、実力ある指揮者、ヴァイオリニストが共演の、印象深いコンサートだった。

指揮　クリスチャン・ヤルヴィ

ソルヴェイグ　立川清子(Sp) 　　ペールギュント　高橋　洋介

アニトラ　　　相田麻純(Ms)　　

羊飼いの女たち　吉田和夏(Sp1)　柴田紗貴子(Sp2)　林よう子(Sp3)

泥棒と盗品買い　村松恒矢(Br)   井口達(Br)　

語り　風李一成

独唱指導　天沼裕子　　合唱指揮　犀川裕紀

合唱　OEK合唱団

フィルハーモニーシリーズの定期が珍しく日曜の午後、マチネーで行われた。

マイスターは殆ど土曜日の午後からの演奏会だが、色々な点を考えるとマチネーのコンサートは都合が良く、有難い。

さて、今日は今年のシリーズの中でも期待が大きかった、クリスチャン・ヤルヴィの登場で、非常に珍しいグリーグの劇音楽「ペール・ギュント」の全曲というプログラム。

クリスチャン・ヤルヴィは。巨匠ネーメ・ヤルヴィの次男、兄は今年N響の首席指揮者に就任するパーヴォ・ヤルヴィ。

パーボは今月N響とマーラー、ショスタコーヴィッチを演奏し、FMで流されたが、その素晴らしく個性的で豊かな解釈、作品の真髄を抉り出そうとする意欲、更に驚異的なドライブテクニックに驚嘆

したばかり。

「ペール・ギュント」は組曲はあまりに有名だが、全曲となると全く聴いた事がない。

プレトークで今日の独唱指導の天沼裕子氏が、「恐らく日本初演でないか。」と語っておられたが、それ程珍しい演奏。

クリスチャン・ヤルヴィは正統派の兄と異なり、現代音楽を初めとして個性的なプログラムを組む事が多いそうだが、その面目躍如というプロだろう。

独唱者を8人要し、更に語りと合唱団、オルガンまで要するという大掛かりな編成と、2時間余りの長さを要すると言う事もあり、取り上げられる機会が少ないのだろう。

独唱者には新進の歌手たちを揃え、語りは地元劇団所属の俳優、そして合唱団はOEK合唱団という、実力のあるメンバーを揃えている。

さて、この「ペール・ギュント」と言う戯曲、劇はイプセンの作であり、その付随音楽として書かれたとのことだが、物語り自身は実に荒唐無稽ともいえ、グリーグの音楽に親しみ想像していた世界

とは相当離れた戯曲の世界が展開される。

そして、語りの台詞、歌詞の中身とも、難解な語句が多く、正面のスクリーンに台詞、歌詞が映し出されるのだが、すぐには理解できない語句が並ぶ。本来の戯曲がどのような形で上演されたのか不

明だが、イプセンの台詞は比ゆと警句に満ちているようで中々理解が難しい。

グリーグの音楽の優しさ、叙情性とかなりかけ離れた戯曲の内容に、かなりの違和感を感じたのも事実。

例えば、有名な「朝」の叙情的な音楽が、戯曲では、ペールが行き着き、強奪を働き、蓄財したアフリカの海岸で酒におぼれ、ヨットで贅を極める場面で流される。

その様に戯曲の内容と、それにつけられたグリーグの音楽とは何かチグハグな感じを受けるのだが、そのアンバランスがグリークの音楽の美しさを際立たしていることも事実。

意図していたかどうかはわからないが、荒唐無稽ではあるが。人生の虚しさを訴えようとでもしている様なイプセンの鋭い世界を、それとは真逆の性格を持つ音楽で彩る事で、戯曲の性格を浮き上が

らせようとしたとも受け取れる。

そして、ある意味難解な戯曲であるからこそ、グリーグの音楽の美しさが鮮やかに聴こえるのも事実。

クリスチャン・ヤルヴィは「オーゼの死」「ソルベーグの歌」等の有名な部分は、実に柔らかい弦の音色で彩り、繊細な美しさを描き出し、「山の魔王の宮殿にて」、「アニトラの踊り」などの激し

い部分、コケティッシュな部分では鮮烈に音楽を鳴らし、秀逸な音楽世界を現出。

特筆すべきは歌手陣と合唱団の熱演。ソルベーグを歌った立川清子のしっかりとした叙情性豊かな歌、羊飼いの女たちの3人のソプラノのグロティスクな歌唱など、さすが天沼裕子の指導と感嘆。

そして、合唱団。終幕の無伴奏での厚く柔らかいハーモニーは見事。

最後はペール・ギュントの強欲に満ちた生涯を鎮め、慰めるような合唱とソルベーグの歌、弦楽器の消えるような響きで、全曲が結ばれる。印象的な終結。

語りの地元劇団の俳優、演出家という犀川裕紀は大熱演、音楽とのコラボという難しい役割をしっかりと演じていた。

マイスターシリーズの今年最初の定期演奏会。

指揮はウィーンの中堅、シュテハン・ヴラダー。

ヴラダーは2013年の定期にも登場、その際は、ベートーヴェンの5番のピアノ協奏曲を指揮ぶりで好演したことを印象深く覚えている。

今日は珍しくゲストコンサートマスターとして元読売日本交響楽団コンマスの藤原浜雄を迎えてのコンサート。

今日のプログラムは前半が武満徹「rain coming(雨ぞふる)」、ハイドンの交響曲83番「めんどり」、後半がブラームス交響曲第4番。武満徹「rain coming(雨ぞふる)」は、武満らしい瑞々しい感性

と、透明な響きに彩られた作品。

繊細なハーモニーは独特の世界。ヴラダーの描く武満は、やや厚ぼったく堅固な感があり、やや違和感もある。

特に金管の響きが厚く、もう少し透明感がある方が、武満の世界に近い様にも思える。

ハイドンの交響曲第83番「めんどり」は、ヴラダーの個性にぴったりとあてはまっているのだろう、躍動感に満ち、かつしつかりとした古典的な均整のとれた演奏。

1楽章の「めんどり」の由来となった主題のコケティッシュな面白さ、弦も管も実に表情豊か。

がっちりとした構成の中にハイドンらしい愉悦間が躍動する、思わず身体が浮き浮きするような躍動感が心地よい。

次の定期では、ドイツの名匠マックス・ポンマーが82番「熊」を演奏するので、比較も楽しみ。

休憩後はブラームス。

ハイドンの演奏が実に楽しかったので、ブラームスへの期待が高まったが、やはりブラームスは難物。

4番は古典的均整感の中に、ブラームス独特の情念が巧みに籠められている名作だが、今日の演奏は古典的均整感を追う余り、ロマン的な感性が乏しい演奏となってしまっていた。

1楽章の出だしの有名な憂いに満ちた主題の歌わせ方からして、あまりにそっけない。その後の展開は実に動的で激しいのだが、オケへの要求がオーバーなのか、オーケストラが張り切るばかりで、

ブラームスの肉声が聴こえてこない。

オケは指揮の要求に応えようと必死なのだが、残念ながら粗っぽくなってしまって、音だけが大きい空虚な演奏。

特に残念なのは、ホルンがかなり粗っぽく響きの中で浮き上がってしまっている。

ブラームスの作品ではホルンの重要度が極めて高いと思われるが、アンサンブルの粗さが残念。

2楽章は1楽章のテンポの速さから一転して、遅めのテンポで進むのだが、ここでも構成の確かさはわかるのだが、ブラームス独特の旋律の美が埋没してしまっている。ただ重く、堅固な世界のみの印

象。

3、4楽章は均整のとれたがっちりとした世界を築き上げ、この作品の一面の素晴らしさが表現されたが、やはり単調である事は否めない。細部の歌が聴こえて来ないからだろうか?

ヴラターのブラームス表現の一面である、古典的構築性は十分に聴く事のできる演奏だが、もう一つの重要なロマン的情念と優しさの表現と言う点では大いに不満が残る演奏。

ブラームスは名演が多く、それが当たり前のように思ってきたが、指揮者にとっては、やはり難物なのだということを改めて感じさせられた。

フィルハーモニーシリーズ今年最初の定期は、ニューイャーコンサート。

11月の定期以来2ヶ月近くの間が空いての久しぶりの定期。そして、井上マエストロのフィルハーモニーシリーズ復帰のコンサート。

いつも、ひとひねりある井上・ニューイヤーコンサートだが、今年はミュージカルのベテラン歌手島田歌穂を迎えての、ワルツ・ポルカとミュージカルナンバーを中心としたプログラム。

ワルツ・ポルカも「青きドナウ」「ラデツキー行進曲」などのニューイヤーコンサートの定番はさりげなくはずし、ワルトトイフェルを入れたあたりが井上マエストロらしいニューイャーではある。

一回り痩せたようなマエストロだが、指揮ぶりは病気前と変わらず活発そのもの。声がややかすれているのが気になるが、咽頭ガンの放射線治療の結果となれば、いたしかたないこと。良く復帰して

くれたことと感謝。

今後、常任となった大阪フィルでブルツクナー全曲演奏の計画があるとのこと。朝比奈隆の伝統のブルックナーがある大フィルでの大変な挑戦であるが、井上マエストロの事、華麗壮大なブルックナ

ーを築き上げる事だろう。

さて、この日の演奏、ワルツ、ポルカとミュージカルナンバーが交互に演奏されるという珍しい構成だが、違和感無く楽しめた、考えてみれば、どちらも極上の娯楽音楽、違和感のあろうはすもない

のか。

ミュージカルナンバーが入るため、ピアノとドラムセットが入り、楽器配置が通常と異なり、コントラバスが左側に、木管の隣にビオラの一部が入る変則的な配置。

ワルツでは、最初の「女学生」、アンコールの「スケーターズワルツ」とワルトトイフェルの2曲が最上の演奏。

この2曲とも、昔から通俗名曲として頻繁に演奏されてきたが、今日の演奏はいわゆる通俗性と無縁な、しっとりとした叙情と、軽やかなテンポが心地よい極上のワルツ。歌わせる部分はテンポをぐ

っと落としてしこじみと歌いあげ、リズミックな部分はテンポを速め華々しく盛り上げるという、メリハリのしっかりとした演奏。聴いている方も思わず身体が揺れるようなリズム感が心地よい。

島田歌穂はアンコールを含めて8曲を歌う。ミュージカル歌手らしい、ドラマティツクな歌唱が魅力的。

ミュージカル「エピータ」よりの「アルゼンチンよ泣かないで」の劇的な歌唱は、オーケストラの大きな盛り上がりをバックにしての絶唱で感動的。

クリアな日本語なので、歌の内容がはつきりと理解できる点など、さすがミュージカルでの長い経験を感じさせる素晴らしい歌唱。

久しぶりに補助席まで出た超満員の聴衆、やはり井上マエストロのOEKへの復帰を確認に訪れたのだろう。

元気なマエストロの姿と、変わらぬ精力的な指揮ぶりに。ほっとするとともに。今年のOEKがまたどんな素晴らしい演奏を聴かせてくれるだろうかという期待に満ちた新年の幕開けとなった。

マリナーによる金沢2回目のマイスターシリーズでのコンサート。

プログラムはヴォーン・ウィリアムスのロマンス「揚げひばり」、ハイドン交響曲第96番「奇跡」、モーツァルト交響曲第41番「ジュピター」

ヴォーン・ウィリアムズは「グリーンスリーブスによる幻想曲」が際立って有名だが、日本では演奏される機会がすくない作曲家ではなかろうか。OEKでも初めて聴く様に思う。

このロマンス「揚げひばり」も「グリーンスリーブスによる幻想曲」同様、イングランドの冷たい空気が感じられる美しい作品。ここでは、ヤングのヴァイオリンの弱音の美しさが際立つ。ひばりが

舞い上がる様子が、独奏ヴァイオリンで表現されるのだが。柔らかく繊細なヴァイオリンの音色、そしてこれも絶妙の柔らかさを表現する弦楽合奏が合わさり、至福の音楽空間が現れる。

日本のひばりはもう少し騒がしいが、イングランドのひばりはこの様にゆったりと舞い歌うのだろうか。

中間部でやや高揚はするものの、概して平穏で穏やかな風景。

見たこともないヒースの荒野に舞い上がるひばりの姿が、絵となって浮かび上がるような想像すら抱かせる。

マリナーの響かせるOEKの音に酔いしれたひととき。

モーツァルトの光と影の音楽に比して、ハイドンは実に影が無く、曇りもない明朗な音楽。

それが、実に愉快に聴こえるマリナーの演奏。聴いていて思わずにやりとする笑いがこみ上げてくるような、ハイドンの音楽の愉快さが、マリナーのハイドンには満ちている。

はっきりと強調される弾むようなリズム、やや早めのテンポでめりはりがつけられ、くっきりと各主題が描き出される。

端正で上品なハイドンは面白くないだろうといいたげな、ユーモアと素朴さに溢れたハイドン。

3楽章中間部のコケティッシュとでも表現できそうな素朴さに満ちたオーボエのソロなど典型。

休憩後はモーツァルトのジュピター交響曲。モーツァルト最後の交響曲にふさわしい輝きと力に溢れた作品を、マリナーはその通りに堂々たる輝きに満ちた演奏で表現。

衒いの無い音楽とはこの様な演奏なのだろう。

39番の陰影、40番の悲劇性と続き。わずか数週間の間に書き上げた最後がこの輝かしい交響曲。

貧困と絶望の淵にいた人間が作り上げたとは思えない、総てを乗り越えたような明るさ。

マリナーはその精神を緊張と力が漲る演奏で表現。

アンコールでのディヴェルティメントもそうだが、マリナーのモーツァルトは表面的な音の美しさの追求ではない。

その音楽が有する本質的な美、生命力というものの表現に腐心していることが、聴くものに深い感銘を与える要因となっている。

ヴォーン・ウィリアムスも、ハイドンもモーツァルトもそれぞれの音楽の個性を本質的に鮮やかに表現。

音楽は楽譜を表面的に巧みに美しく表現するのでなく、楽譜に籠められた作曲者の人生、思索、思想を表現するものだということが、マリナーの演奏を聴くと理解できる。これは、絵画、文学等あら

ゆる芸術に共通する大切な基本だろう。

マリナーはそれを見事に具現している。巨匠たる由縁だろう。

マリナーの音楽を聴いて、じわじわとこみ上げてくる感動はそこに由来する。

9月から始まった新シリーズ。最初からミンコフスキーの病気欠場となり、今回も90歳という高齢のネヴィル・マリナー、大丈夫かと不安があったが、杞憂に過ぎず、元気な姿を見せてくれた。

今回はフィルハーモニーと11月2日のマイスターシリーズに登場、お得意のモーツァルトを中心としたプログラムを指揮。

マリナーといえば、私たち世代にとっては、アカデミー室内管弦楽団の創始者であり、世界トップの室内オーケストラにまで育て上げたという認識と印象が強烈な指揮者である。それだけに、OEK

への登場は正直驚きであり、OEKも世界有数の指揮者が登場するまでに成熟してきたことに感慨がある。それにしては、客席がやや寂しいのは何故だろうか。ここ数年やや定期の客席が寂しいのが

気になる。

さて、マリナーは3月にN響の定期にも登場、その際はドヴォルザークとモーツァルトの2つのプログラム。モーツァルトは今回と同様35番と39番が組まれていた。その際の放送も聴いたが、モーツ

ァルトも勿論だが、ドヴォルザークの8番の生き生きとした歌に溢れた演奏にマリナーの凄さを再認識した。

今日のプログラムはオールモーツァルトで前半が交響曲35番「ハフナー」、工藤重典を迎えてのフルート協奏曲1番、後半が交響曲第39番。

今日のコンサートマスターはアビゲィル・ヤング、同じイギリス出身であるし、マリナーとも恐らくよく知りあった仲なのではと想像できる。もう一人のコンマスのサイモン・ブレンティスもイギリ

ス出身、OEKの音はそういうこともあるのか、落ち着いたヨーロッパ系の音であり、マリナーとは非常に相性が良いのではと思わせる響きの演奏。

90歳とは思えない指揮ぶり。椅子も使わず、暗譜でなく、矍鑠とした姿で細かくオーケストラに指示を与える様子はとても90歳の高齢とは信じがたい。

バロックティンパニを使用するなど、スタイルはピリオド演奏に近いと思われるが、音は痩せすぎずふくよかで豊か。

通常のピリオドスタイルとは一線を画すような、大きい風格の演奏。

室内オケを育て上げてきた指揮者らしい、各パートにかなり細かい指示を与えてきたのではと思わせる、緻密な演奏。

技術的な緻密な指示ということでなく、表現の上での緻密さとでもいおうか。

典型的な例が、39番3楽章中間部の有名なクラリネットの旋律。最初はいかにも楽しげに晴朗に響くが、くり返しではやや音を落とし陰影を漂わせる。このような部分が随所に聴かれ、それによりモ

ーツァルトの音楽の光と影が浮かび上がる。

モーツァルトの息遣いが生々しく聴こえるような演奏。

35番での祝祭的な雰囲気の表現、39番冒頭のティンパニの響き、強打だが弦楽器のアンサンブルに溶け込み微妙な色合いの響き、など聴かせどころも満載。実に表情豊かなモーツァルト。

マリナーも素晴らしいが、フルートの工藤重典。フルートがこんなに豊かに歌うのかと、思わずのけぞるような素晴らしさ。金属のフルートでありながら、音はふくよかで柔らかい。まるで、木管の

ような表情。そして、ころころところがるようなフレーズ、どこで息継ぎをしているのかと思うほどの長いフレーズの音の豊かさ。

モーツァルトの音楽の喜びを楽器と身体全体で表現しいるかの様な生き生きとした、弾むようなリズム。

マリナー・ＯＥＫの伴奏もフルートに連れられるかの様に軽快で豊か。高音域で難しいと思われるホルンも鮮やかな音で弦のアンサンブルと美しく調和。

工藤重典のアンコールはドヴュッシーのパンの笛。色彩が溢れるようでいて、決して硬質でなく柔らかい響き。

マリナーのアンコールは「フィガロの結婚」序曲。これも鮮やかな演奏。一気呵成に駆け抜けながら、細部までクリアに聴こえる。オペラの始まる前の期待に満ちた音楽空間を鮮やかに表現。終結部

のトランペットを華やかに響かせるなど演出効果も抜群。

11月3日のヴォーン・ウイリアムス、ハイドンも大いに期待できそう。

ゲルギエフ・マリンスキー歌劇場管弦楽団の名コンビによる日本公演。

他のプログラムでは、ストラビンスキーの三大バレー、ショスタコービッチの交響曲8番、マーラーの交響曲5番、R・シュトラウスの楽劇「サロメ」など多彩なプログラムが並んでいるが、金沢は

ネルソン・フレーレを迎えてのブラームス、ピアノ協奏曲2番、チャイコフスキーの交響曲6番「悲愴」という、がっちりとしたプログラム。

ゲルギエフの「悲愴」も勿論だが、ネルソン・フレーレのピアノへの期待が高まる。

アルゲリッチ、アラウ等南米出身の名ピアニストが多いが、ネルソン・フレーレもブラジル出身。

1944年生まれと言うから今年69歳か、円熟のピアニストだ。

ブラームスの2番の協奏曲は1番と比較すると、優しく、柔らかく、明るい雰囲気を漂わせる作品だが、フレーレは、ガッチリとしながら、弱音での柔らかい響きを十分に聴かせ、全体のしつかりと

した構成感の中で、ロマン的なブラームスの詩情をたっぷりと聴かせてくれた。

出だしのホルンの柔らかな音色に驚く。ロシアのオーケストラなのに、まるでウィーンフィルのホルンの様な柔らかい音色。

ゲルギエフの指揮は暗い情熱をたたえながら、ブラームス独特の分厚いアンサンブルを響かせ、まさに重厚なブラームス。低音の厚さが凄いが、特に3楽章のビオラ、チェロのアンサンブルの音の厚

さは尋常でなかった。

フレーレのピアノは一聴、出だしややそっけないほどだが、進むにつれて、ブラームスの大きな世界が広がっていく。

うねりのような大きな展開が広がるかと思うと、一転独白の様な呟きが聴こえたりと、広い音楽の世界。

フレーレは自己主張することなく、ブラームスの伝えたい音楽の世界を誠実に描き出していく。

ピアニストの個性がギラギラと輝くピアノと異なるが、心の襞に染み入ってくるような滋味豊かな演奏とでも言おうか。

4楽章など、広い音楽の世界で、自由に遊びまわる様な風情。

ゲルギエフ・マリンスキー管も、さすがという演奏。重厚でありながら、明確な響き、ピアノの誠実で自由な音楽にピタツと寄り添う。

アンコールはフレーレの絶妙な世界。グルツクの「精霊の踊り」とのことだが、柔らかい弱音で飛び回り、フレーレの音楽に寄せる愛情が呼吸となり聴こえるような楽しさ。自由闊達の極と言えよう

か。

休憩後は、ゲルギエフ・マリンスキー管の十八番、チャイコフスキーの6番「悲愴」

10年前の富山でのウィーンフィル演奏会がゲルギエフで、やはり悲愴交響曲だった。あの時のウィーンフィルとゲルギエフの緊張に満ちた演奏を思い起こすが、今日の演奏は手兵のオーケストラとあ

って、将にゲルギエフの呼吸がオーケストラに移った様な、自由な世界。

1楽章の出だしの低音とファゴットの主題は、やや早目のテンポであっさりとした感があるが、次の弦の第2主題は一転、テンポを落としタップリと歌わせるなど、随所随所で個性的。

全体の印象は、ロシアのチャイコフスキーの様な暗さ、土臭さと異なり、かといってドイツ的ながっちりとした構成感とも異なるやはりゲルギエフの世界とも言える、歌とドラマを巧みに描き出した

名匠の演奏という印象。

決して熱くならず、冷静に、しかしながら作品のドラマを明確に演出しいく、やはりオペラ指揮者の特長でもあろうか。

楽章の切れ目で音楽を切ることなく、間をおかず次の楽章に突入、特に3楽章から4楽章への呼吸の絶妙さ、独特の音楽。

3楽章のマーチも意外にあっさりと処理、その分4楽章の深いドラマ。低音の悲痛な叫びの迫力。

終結部も音が消えても、音楽は持続、その永遠とも思えるような無音の空間の素晴らしさ。

オーケストラ・アンサンブル金沢第354回定期演奏会

2014年10月10日　石川県立音楽堂コンサートホール

指　揮　　　　　アロンドラ・デ・ラ・バーラ
クラリネット　　　チャールズ・ナイディック

今回の定期は珍しいメキシコの女性指揮者、アロンドラ・デ・ラ・バーラの登場。

ファリャを除いて、アメリカ、南米の作曲家の作品によるプログラム。どちらかといえばヨーロッパ系統のプログラミングが多いOEKとしては、珍しいプログラミング。

しすしながら、今日のOEKの燃焼度はなかなかのもの。アロンドラ・デ・ラ・バーラという指揮者の実力も相当なものだが、それに応えて集中力と高い燃焼度を聴かせたOEKの実力は相当なもの。

プログラムは前半が、ファリャ「三角帽子第1組曲、チャールズ・ナイディックのクラリネッサトによる、コープランドのクラリネット協奏曲、後半がマルケス「ダンソン第2番」、ピアソラ「タン

カーゾ」、ヒナステラ「エスタンシア」。

アロンドラ・デ・ラ・バーラという指揮者、素晴らしい美貌とスタイルを持ち合わせた女性だが、その激しく燃える指揮ぶりはまるで女性版グスターボ・ドゥダメル。

ファリャの華々しいティンパニーの連打で幕開け。ファリャ独特の原色の色彩感と躍動感に満ちた演奏。歯切れの良いリズム感が冴え渡る。出来れば第2組曲もと言いたいところだが、

今日のプログラムの序曲的な意味合いだろうから、ここで盛り上がってしまったら最後まで続かないだろう。

最後のヒナステラの超盛り上がりまで、巧みに引っ張っていくプログラム構成と見た。

2曲目がコープランドのクラリネット協奏曲。

哀愁に満ちた前半と、リズミックな楽想の後半の2つの対象的な楽章から出来ているが、その対比をチャールズ・ナイディックは鮮やかに表現。前半は、古いアメリカの田舎を想起させるような懐か

しい響き。前半の終わりの部分のカディンツァの技巧も冴え渡る。後半のコケティツシュな雰囲気も印象的。

アンコールにチャールズ・ナイディック自身の作曲による、即興曲的な小品。自身、「平和と自然災害での犠牲への哀悼」と語っていたが、最近の広島の水害、御嶽山の噴火等による犠牲を意識し

ての作曲だったのだろうか。

前半の静かな哀悼の雰囲気と、後半の激しく激烈な楽想の対比が鮮やか。素晴らしいクラリネットだった。

後半はマルケス「ダンソン2番」で開始。見たことも無いベネズエラだが、その喧騒と哀愁に満ちた街が眼前に浮かんでくるような音楽。日本の演歌にも通ずる様な土臭さの聴こえる音楽。

ピアソラの「タンガーソ」は今日の作品の中では、かなり洗練された音楽。アルゼンチンの民族音楽であるタンゴがより抽象化され、タンゴのエキスが充実した音として響いてくる印象。

最後はヒナステラ「エスタンシア」。バレー音楽からの抜粋による組曲。室内オーケストラとは思えない、原色のギラギラとした色彩が迫ってくる。

「小麦の踊り」のフルートの哀愁に満ちた響きは印象的。

炸裂する打楽器とホルン、トランペットの劈くような響き。OEKはラ・バーラの激しくも、細部までくっきりと描き出そうとする指揮棒に見事に従い、早いパッセージも曇ることなく、それでいて

音楽に体ごと楽器をぶつけるようなノリで演奏、聴くものを興奮に導く、鮮やかさ。

「終曲の踊り」は熱狂の極。アンコールに再度演奏されたが、ラ・バーラは聴衆に立つように促し、オーケストラと聴衆が一体となって身体を動かすノリ。クラシックのコンサートでは見かけない

風景となった。

ラ・バーラーという名前が忘れがたくなるような強烈な印象を嵐のごとく残していった、美貌の女性指揮者だった。

オーケストラ・アンサンブル金沢　
岩城宏之メモリアルコンサート

ヴァイオリン　内藤　淳子
指揮　山田　和樹

2014年9月6日(土)　
石川県立音楽堂コンサートホール

オーケストラ・アンサンブル金沢第353回定期演奏会

2014年7月25日　石川県立音楽堂コンサートホール

指揮　　　　 秋山　和慶

ヴァイオリン 郷古　廉

今回の定期も、井上監督病気療養のため指揮者が秋山和慶に変更。プログラムもシューマンのヴァイオリン協奏曲がブラームスのヴァイオリン協奏曲に変更となった。井上監督の一日も早い復帰を

祈るばかりである。

さて、この日のプログラムは前半が、ストラヴィンスキーの「管楽器のための八重奏曲」、ブラームスのヴァイオリン協奏曲、後半がバルトークの「弦・打楽器とチェレスタのための音楽」

特に後半のバルトークは名曲でありながら、特殊な編成のため、演奏されることの少ない作品。OEKは初演ではなかろうか?

最初のストラヴィンスキーは珍しい作品。クラリネット、ファゴット2本、トランペット2本、トロンボーン2本という変わった編成。

ショスタコーヴィッチを想起させる様な、ややシニカルな雰囲気が全曲を覆うが、ショスタコーヴィッチ程の深刻さは感じられない。このあたりが、ストラヴィンスキーの特色だろうか。古典的な

スタイルを用いながら、近現代のモダンな装いを持つ、ストラヴィンスキー独特の世界。各楽器ともかなりな技巧を要求されるが、各奏者とも巧みな技巧を披露。

次は郷古廉を独奏者としたブラームス。シューマンからブラームスに変更された意図はわからないが、シューマンに比較すれば、親しみやすい作品であることは間違いない。

ブラームスの作品の中でも、暖かく優しい雰囲気に満ちた作品。交響曲で言うと、2番の雰囲気と非常によく似ている。

郷古廉はこの作品の明るい雰囲気と、しっかりとした構成感を表現。大きなスケールと、素朴な親しみやすさの両面をしっかりと表現していた。音はやや硬めだが、それでいて、音楽全体は柔軟さ

に満ちている。そして、よく歌う。気持ちの良いヴァイオリン。日本の若手のヴァイオリニストの底の広さと厚さを実感。

第2楽章のオーボエの旋律はブラームスの全作品の中でも、交響曲3番の3楽章と並ぶ名旋律と思われるが、この日のオーボエとヴァイオリンのこだまのような掛け合いは聴き応えがあった。

3楽章のほとばしるような熱い情熱の表現。

オーケストラも、秋山和慶のしっかりとしたバトンに従い派手ではないが、堅実な響き。

郷古のアンコールは後半のプログラムを意識したのか、バルトークの無伴奏ヴァイオリンソナタから。荒々しい民族性と近代の複雑な響きが混在するバルトークの特色を的確に表現していた。

後半はいわゆるバルトークの「弦・チェレ」

晩年の「管弦楽のための協奏曲」とならぶ傑作だが、この作品のほうが一段と暗さを有している。

編成は特殊で、この日の配置は左右に2つの弦楽器群を置き、真ん中にピアノとチェレスタ、ハープ、その後に打楽器群という配置。

1楽章のフーガの主題は、この作品のテーマを表しており、大戦前の時代の暗く閉塞的な雰囲気を明らかに表現している。

この主題は全曲の中核となり、4楽章で念を押すように繰り返されるので印象的。終結部のチェレスタの音が不気味。

2楽章は打楽器を効果的に使いながらのハンガリーの民族的な色彩が横溢。しかし、やはり不安感が全体を支配。

この楽章の途中でヴィオラの弦が切れるハップニング。楽章後、修理のためやや中断。

3楽章は拍子木の連打で開始される。やはり民族色を強く感じさせるが、その内側にはバルトークの強い不安感と怒りが内包されている。

4楽章はチェンバロンを想起させる弦の主題と打楽器の激しい競演。

1楽章のフーガのテーマが終結部で暗く重々しく再現。

バルトークの民族性が炸裂するとともに、あの大戦前の暗い時代を反映した不安な意識が全曲を覆う。

晩年の「管弦楽のための協奏曲」はにはやや諦念が現れるが、この作品には時代への鬼気迫るバルトークの意識を感じる。

第2次世界大戦前のナチがヨーロッパを支配し始めた暗い時代を音楽で表現したバルトークの傑作である事を再認識。

秋山・OEKはそつのない真面目な演奏だが、やや単調さも感じる。もう少し作品の内側に肉薄する鋭さも欲しかった。

この作品の本質に迫るには、やや物足りなさを感じた。

オーケストラ・アンサンブル金沢第352回定期演奏会

2014年7月5日　石川県立音楽堂コンサートホール

指揮　大植英次

ソプラノ　菅　栄三子

アルト　　山下　牧子

テノール　永田　峰雄

バス　　　ジョン・ハオ

合唱　オーケストラ・アンサンブル金沢合唱団

　　　大阪フィルハーモニー合唱団

合唱指揮　犀川　裕紀

昨年から始まったベートーヴェンの交響曲全曲演奏会の最終は当然第九。

井上監督の病気により、指揮者が大植英次に変更。

大植英次は朝比奈隆の後を継ぎ、大阪フィルの音楽監督を長年勤め、現在は大フィルの桂冠指揮者、大植英次の後任とし首席指揮者に今年就任したのが井上道義なので、浅からぬ因縁を感じる。

大植英次は長年聴きたい指揮者の一人であったが、機会がなかったので、今回は非常に楽しみ、OEKは多分初登場。

プログラムも前半が変更となり、コープランドの「リンカーンの肖像」という珍しい作品が入った。

大植英次は評判どおりの熱い指揮者という印象。

最初のコープランドの「リンカーンの肖像」では、何と自らが語りをするという意欲。

この作品はリンカーンの有名な演説、「人民の人民による人民のための政治」を基調とした作品。

曲前半は、コープランドらしいアメリカ的な優しくそして賑やかな色彩に満ちた音楽が続き、後半にリンカーンの姿と演説が熱く紹介されると言う構成。

ベートーヴェンの第9の、自由平等、ヒューマニズムの精神と、リンカーンの自由平等の政治とをダブらせようと言う非常に明確なメッセージを伝えようと言う大植の意図がはっきりと聴き取れる選曲。

現在の日本の政治情勢が、この様な精神と将に逆行しようとしている時に、音楽での訴えは、実に熱い説得力を感じることが出来、感動的である。

大植英次はリンカーンの演説を実に熱く、高らかに読み上げ、俳優顔負けの演技力。

さて、第九の演奏。OEKの第九も故岩城監督、井上監督、金聖響、山下一史等の指揮で数回聴いてきたが、今回は壮麗で、雄渾な点で特筆すべき演奏だった。

1楽章はやや抑え気味で、オーケストラもやや硬さがあったが、第2楽章から4楽章にいたる道程は将に入魂の演奏。

2楽章は、ティンパニの炸裂、管楽器の豊かな響き、変化にとんだ歌わせ方でこの楽章の面白さを最大限に表現。

演奏によると、くり返しが多く単調に聴こえてしまうこともあるこの楽章が、この日の演奏では、細部にいたるまで音楽の表情が豊かで、色彩的で、生彩に満ちているため、単調に聴こえることが

無い。前へ前へと進むスケルツォの凄さが強烈に示される。

3楽章はいつも思うが、この作品の演奏の成功の鍵を握る楽章。かつてのフルトヴェングラー・バイロイトの本当に永遠に音楽が続くような演奏を聴いてしまうと、この楽章の他のどの演奏も物足り

なさを感じてしまうのだが、きょうの演奏は良かった。

出だしの主題のテンポの心地よさ、そして次々と続く転調の妙。この楽章にベートーヴェンがこめた、平穏への祈り、そして天国的な音楽の美しさを十分に表現、聴くものの心に染み入る。中間部

の木管と弦のピチカートが絶妙な転調をくり返し音楽が静かな高揚を見せる箇所など、OEKの木管の熱演もあり、将に絶妙。

さて、通常は最初から入っている合唱団、3楽章が終わってから入ってくる独唱者たちがこの楽章が終わっても入ってこない。

4楽章が始まり、序奏部が終わり、有名な歓喜のテーマが低音弦により静かに奏され始めると、独唱者たちが次々と入り始め、テーマのくり返しで音楽が高揚してくると合唱団が静かに入場。音楽の

流れを阻害しないようにという試みなのだろうが、非常に珍しい演出。井上監督がやはり独唱者を演奏中に入れる試みをしたような記憶があるが、極めて珍しい試みだろう。確かにこのようにする

と、音楽の流れが中断することがない。3楽章が終わってから独唱者が入ると拍手が起こり、良い流れが中断されたり、最初から入るとじっと待っている独唱者も、合唱団も大変なことと考えると、

なるほどと思われる演出。

さて、演奏。歓喜の歌のオーケストラ、なんとも絶妙なテンポと歌わせ方。くり返し奏されるごとに高揚してくるのが、聴く者の心も高揚させる。非凡な指揮者。

そして、頂点でバスが「オー、フロイデ」と歌いだすが、高揚が極まる効果が凄い。そして、バスだが、素晴らしい声の持ち主。ジョン・ハオという中国出身のバスだが、ホールを圧する声量。

この楽章、変化に飛んだ楽章だが、大植英次はかなりの濃い色付けをしている。

喜びの合唱が終わり、オーケストラのマーチが始まる部分の休止の長さ、フルトヴェングラー程ではないが、かなりの間を持たせている。他の箇所でも、念を入れるような休止が目立つ。更にびっ

くりしたのは、コーダに入る部分のオーケストラのテンポの落とし方、この様な極端なテンポは初めて聴く。この様に部分部分でかなりの色付けをしているのだが、それが不自然でなく、この楽章

の劇的で壮麗な効果を一層増している。大植英次の第９に対する強い思い入れが、この様な解釈を生み、そして聴衆に強い感銘を与える、これが生きた音楽なのだろう。

合唱団の熱演も讃えたい。荘厳な合唱の終わりで、コーラスが波打つようなハーモニーを歌う部分など、素晴らしい響き。

この様に指揮者の強い意欲を聴かせる演奏なのだが、それでいて決して勢いと感情に任せた演奏でなく。細部まで、音がしっかりと聴こえてくる、乱れがない。コーダの熱狂的な興奮でも、最後まで

音がしっかりと刻まれ、輝かしい終結を迎える。

演奏の終わりと同時に爆発的な拍手が起こるが、大植は全力を使い果たしたように、がつくりとうなだれ暫く動かない。

第９は年末に多く演奏されたり、時代のエポックの様な時に演奏されたりと、様々な使われ方をする名作だが、中々作品の真価を聴く演奏は少ない。今回は改めてこの作品の巨大さと、音楽の持つ

力の強さを聴くことが出来感動的だった。

大植英次、なるほど熱い指揮者である。

これで、今期のマイスターシリーズのベートーヴェン交響曲全曲演奏は終了したが、個性ある指揮者による特色あるベートーヴェンを聴けたと同時に、OEKが指揮者の意図を的確に表現できるオー

ケストラへと成長した証も聴くことが出来面白いシーズンだった。

スロヴェニア　マリボール歌劇場　歌劇「カルメン」

2016年6月29日　オーバードホール

指揮　ロリス・ヴォルトリーニ

演出　フィリップ・アルロー

カルメン　グアダール・バリエントス

ドン・ホセ　アリヤシュ・フラシン

ミカエラ　アンドレヤ・ザコンシェク・クルト

エスカミーリョ　ヨジェ・ヴィテイッツ

スニガ　　　　　ヴァレンティン・ピヴォヴァロフ

マリボール歌劇場管弦楽団・合唱団・バレー団

児童合唱　とやま香音ジュニアコーラス

オーストリアの隣の小国、旧ユーゴスラヴィアから独立したスロヴェニアのマリボールの歌劇場の引越し公演。

著名なオペラハウスではないが、中部ヨーロッパには数多くの歌劇場があり、それぞれ長い歴史を有しており、マリボール歌劇場もその一つ。高い水準を持つ歌劇場らしく、隣の音楽の都ウィーン

からも数多くの観客が訪れるとのこと。

今回は、6月初めから全国21箇所で公演、富山はラストに近い19番目の公演。

主役のカルメンはトリプルキャストとなっており、話題のヴェッセリーナ・カサロバ、新鋭のオクサナ・ヴォルコバという二人の注目すべきメゾ・ソブラノが競演するのが話題だが、富山は残念な

がら第3の歌手、グアダール・バリエントスが歌った。

とはいうものの、このバリンエントス、大きな身体から、メゾ独特の太く柔らかい声が響き渡り、迫真の演技とあいまって見事なカルメンを演じていた。このあたり、やはりヨーロッパのオペラ座

の底の厚さ・広さを見るよう。

さて、この公演では、いつもの「カルメン」とはかなり異なる演出がなされており、興味深かった。

まず、舞台装置。抽象と具象が交じり合った様な、不思議な装置。1幕、4幕は天井からの不思議な形の吊物がぶら下がり、照明の変化で舞台の転換効果を作り出している。2幕では、居酒屋の窓の

外に山並みの広がりがみられ、第3幕では岩山と言うよりどこか雑多とした倉庫の中に荷物が散らかっているようで背景のスクリーンなは魚眼レンズで映し出したような空と荷物の山、第4幕では1

幕の吊物が再度登場、照明が効果を演出、ラストの悲劇てせは、真っ赤な光が悲劇を演出。

この様に、時代設定はまるで不明で、登場人物の衣装も様々、3幕では盗賊の頭は現代風な洋服をつけていたりと、ここでも時代設定は抽象的。

次に、何だろうと考えさせられる新演出が色々。例えば、ドン・ホセ(と思われたが)の意味不明な屈伸体操、4幕ラストでは、カルメンが自分を刺し殺せと剣を渡す場面、更には闘牛場から瀕死の

エスカミーリョが現れ倒れる、等々。

最後の場面はこの様に通常のカルメンの最後とは全く異なり、見方によってはカルメン、ドン・ホセ、エスカミーリョの3者とも死ぬと言う風にも捕らえられ、謎の多い結末となっていた。

更に通常は入らない暗示的なバレーの挿入。3幕の有名な前奏曲の部分でも、男女二人のバレーが、ドン・ホセとカルメンの悲劇を暗示的に象徴的に示すように踊る。

この様に、かなり演出と舞台装置、照明の点で今までに無い「カルメン」を造りだしていた。

良いか悪いかの判断はつきかねるが、非常にインパクトと謎を残す舞台となっていたことは事実で、それが演出のフィリップ・アルローの狙いであるとすれば、成功していたと言える。

歌手は先述したように、カルメンのバリエントスは素晴らしい熱演。あばずれではあるが、自由奔放なカルメンを身体で表現、ドン・ホセのアリヤシュ・フラシンも最初はやや調子が出ないようで

あったが、幕が進むにつれ、バリエントスに引っ張られるように熱を帯びてきた。

更に、スニガのヴァレンティン・ピヴォヴァロフ、凄いバリトンである。彼が歌うと、脇役が主役を食うような感じ。

ミカエラのアンドレヤ・ザコンシェク・クルトもカルメンと対照的な清楚な女性を見事に表現。

エスカミーリョのヨジェ・ヴィテイッツがやや不調の様で残念。

指揮のロリス・ヴォルトリーニは堅実な指揮だが、色彩感に乏しいのが残念。このオペラ、やはりオーケストラもかなりの饒舌さと、情熱を持たないと、生彩に欠けた音楽となってしまう。もつと

、ギラギラした熱が欲しかった。

長丁場の公演で指揮者も、オーケストラも疲れていたのだろうか。

児童コーラスを地元のとやま香音ジュニアコーラスが担当したが、熱演、巧みな合唱と演技で富山の児童合唱の質の高さを照明した。

ヴァレリー・アファナシエフ　ベートーヴェン最後のソナタ

ピアノ　ヴァレリー・アファナシエフ

2014年6月13日　金沢市アートホール

前日のOEK定期に続いて、2日連続の金沢。

家族の、「又行くの!!」というあきれた非難にもめげず、聴きたいものは今聴いておかないと後悔するとばかり、2日間連ちゃんの金沢行きとなった。

というのも、アファナシェフがベートーヴェンの30、31、32の3曲を演奏、それもアートホールという300名余りの小ホールでのリサイタルという、考えられない贅沢な時間を体験するためである

。

ベートーヴェンの最後の3曲の演奏は、学生時代の金沢で、確かリヒテルのリサイタルでの体験が最初で最後だった。

乏しい記憶をたどると、プログラムは当日発表ということで、行って見たらベートーヴェンの最後の3曲のソナタということで、びっくりしたことを思い出す。

さて、ヴァレリー・アファナシエフ、名前だけは余りにも有名なので知っていたが、生は勿論、放送でもCDでもその演奏に触れたことは無い。ただ、伝説的な鬼才ということだけは、噂にて聴い

てはいた。

今回の来日のプログラムも、今日のベートーヴェン以外は、シューベルトの最後の作品のプロのみとなっていた。

かつてシューベルトの最後の3曲のソナタの演奏会もあったとの事なので、作曲家の最後の作品に相当傾倒しているということだろう。

場内が暗くなると、足早に現れ、聴衆への挨拶も面倒くさそうに頭を少しだけ下げると、ピアノに向かうと途端に挑むように弾き始める。

その音楽は聴衆と共にベートーヴェンを分かち合うという性質のものでなく、まるでアファナシェフがベートーヴェンと格闘するかのような壮絶さがある。音の美しさ、あるいは旋律の美しさを解

釈するというものでなく、ベートーヴェンに対して、「あなたは、この音楽で何を語りたかったのですか?」という孤独なモノローグの様な音楽。

なるほど、ベートーヴェンの最後のソナタは、そんなにやわい代物でないという、謎を深めるような演奏といおうか。

強い打鍵は恐ろしいばかりだし、美しい旋律も美しく歌わない。

30番の3楽章、31番の1楽章などの、ともすれば心に染み入るような旋律も、アファナシェフにかかると、まるで違うものとなる。美しさを通り越した、人を寄せ付けない、孤独な旅人の様でさえ

ある。

31番の2楽章、32番の1楽章の、デモーニッシュな部分では、思い切り強い打鍵と、独特なリズムにより、異様な雰囲気となる。

31番の3楽章、32番の2楽章の変奏曲では、そっけないほどの淡白さが表面的には覆っているが、甘い感傷を一切切り捨てた孤高な音楽。極めて難解とも感じられる音楽。31番の3楽章のフーガの

部分の内面を抉り出すようなピアノの強い響き。

32番の最終楽章へいたる過程は、この3曲のソナタの集大成であり、30、31番で語りつくせなかったものを、31番で総て終結しようとしたような音楽であるが、1楽章での叩きつけるような闘争的

なアファナシェフのピアノは、将にベートーヴェンの叫びを聴くよう。そして、2楽章の祈るような平穏さに戻るのであるが、この第2楽章でもアファナシェフは、円満解決を求めるのでなく、静か

な打鍵ながら強い意思を秘めた打鍵で、孤高の高みを表現しようとする。

この様な演奏を聴くと、ベートーヴェが最後のソナタに託したものが、「闘争の上辿り着いた平穏、そして祈り」などという単純なものでないことが理解できる。果たして何なのかという謎。

ひょつとすると、アファナシェフ自身がそれをベートーヴェンに問うているのかもしれないが。

その様な意味で難解な音楽である。しかし、この様なピアノを聴くと、他のピアニストの演奏が妙に淡白に聴こえてしまうことも事実だ。

オーケストラ・アンサンブル金沢第351回定期演奏会

2014年6月12日　石川県立音楽堂コンサートホール

指揮　エンリコ・オノフリ

ソプラノ　森　麻季

昨年に続いて登場のオノフリによるマイスターシリーズの定期。

昨年は、J・Sバッハが中心のプログラムだったが、今年は前半がヴィヴァルディ、後半がモーツァルト、ハイドンというプログラム。森麻季が前半2曲、後半1曲歌う。

オノフリ、さすがに鬼才といわれる由縁の面白い演奏を聴かせてくれた。特に後半のハイドンは全く異色の演奏。

前半は弦楽合奏が中心の協奏曲が3曲、森麻季を迎えてのモテットとオペラアリアが2曲の構成。

協奏曲は総てオノフリがヴァイオリンを弾きながらの指揮。

ヴァイオリンにショールをつけ、それを首に巻きつけるというこの人のシンボル的な姿でのヴァイオリンを弾きながらの指揮。

昨年も感じたが、オノフリは個性的な音楽作りという印象が強いが、ヴィヴァルディでは、むしろオーソドックスで緻密、誠実な音楽という印象。

アンサンブルを重視し、明るく朗らかなヴィヴァルディというより、落ち着いた渋い色調の古典的な演奏。

イタリアの指揮者でありながら、ヴィヴァルディに対する解釈はイムジチあたりのものとは異なるようだ。

無論、オノフリはバロックヴァイオリンの旗手であり、モダン楽器のオーケストラであっても、ピリオド奏法を求めるのであるから、色彩の異なるのは当然であるのだが、ヴィヴァルディに於いて

は、後半のハイドンの様な意外さは無く、極く正統的な演奏という印象。ヴィヴァルディの演奏スタイルは様々であり、ビリオド演奏では鋭角的で極端にメリハリをつけた様な演奏もあるが、オノ

フリはその様なことはしない。ヴィヴァルディの音楽の持つイタリアバロックのエレガントで典雅な色調を描き出そうとしているようだ。ただ、オノフリのヴァイオリンはバロックヴァイオリンで

あると思えるので、ヴァイオリンの音色は硬めで、その点バックのオーケストラとの対比がはっきりし、ヴァイオリンの個性が明確に浮かび上がるのを聴くことが出来る。

森麻季はバロック、古典の歌曲を得意にしているだけあって、堅調な声が、オノフリのヴイヴァルディの色彩にピッタリ。

輪郭がはっきりし、崩さない、品格のある歌唱はさすが。ヴィヴァルディのオペラ「グリセルダ」からのアリアでは、モーツァルトの「夜の女王」を想起させる様な超絶技巧のコロラトゥーラを披

露。

後半はモーツァルトの演奏会用アリア「ああ、恵み深い星々よ、もし天にあって」で開始。

ここでも、かなりの技巧的なパッセージが盛り込まれ、又劇的な歌唱も要求されるが、森麻季は安定した歌唱。

バックの管弦楽も厚みを感じさせるアンサンブルで、精緻。

さて、最後はハイドンの交響曲100番「軍隊」

個性的といおうか、それ以上のスリリングなハイドン

ティンパニーは当然バロックティンパニーだが、思い切りの良いティンパニーの連打は痛快でもある。また、前曲まで使用のチェンバロがそのまま使われている。標準的なスコアではチェンバロは

無いはずだが、オノフリの編曲によるのだろうか。通奏低音的な扱いをしているようだが、オーケストラの中なので殆ど音は聴こえてはこない。

そして、各楽章で相当な即興とも言えるような変化を施している。例えば第1楽章、全般にかなりの即興性が聴けるが、提示部の最後あるいは展開部の終わりから終結部にかけてのトランペットの

華々しい扱い。度肝を抜かれる面白さ。

第2楽章の大太鼓の扱いでは、太鼓の縁をバチでたたく。パチパチという音が聴こえるので、目をこらしてみると大太鼓が太鼓を叩くと同時に、縁も叩いている。

終結部のファンファーレ風の部分ではトランペット奏者を立たせての華々しいファンファーレ

第3楽章メヌエットの中間部の思い切ったテンポの落とし方。

かつて、このシンフォニーを演奏会でも、CDでも、相当数聴いて来ている筈だが、初めての作品を聴くような驚き。

パフォーマンスが過ぎると言う非難もあるかもしれないが、面白すぎることは事実。

もともと、ハイドンの音楽には人をびっくりさせるようなユーモアが満ちているわけだから、こんなハイドンも然るべき!!かもしれない。というより、オノフリは相当な確信をもって、この様な演

奏を行ったのかもしれない。

新鮮な刺激に満ちたハイドンであり、まるで今生まれた音楽のような瑞々しさがある。

アンコールに森麻季の歌でヘンデルのアリア。これも、厚ぼったい調べの堂々たるアリア。更に、軍隊交響曲の2楽章をアンコール演奏。

実に刺激的なコンサートだった。

オーケストラ・アンサンブル金沢第350回定期演奏会

2014年6月12日　石川県立音楽堂コンサートホール

指揮アンドレアス・デルフス

５月にLFJがあつたので、約2ヶ月間定期もお休みで、久しぶりの定期演奏会。

外は百万石祭りのパレードの出発で大賑わい。

ここのところ、井上監督の病気休演等ハップニングの続くOEKだが、この日も予定のリープライヒが急病(流感とのこと)で、急遽指揮者が変更、同じドイツのアンドレアス・デルファスが代演とな

った。

２０１１年に非常に凝ったプログラムで定演に登場、刺激的な演奏を行ったリープライヒだけに、どの様なベートーヴェンを聴かせてくれるのかという期待があっただけに残念ではある。

アンドレアス・デルファスという指揮者、私はその名前を初めて聞いたが、日本でも札響、N響、郡響等を振ったり、海外でもかなりの経験を積んでいる指揮者のようだ。

今日のプログラムはベートーヴェン交響曲連続演奏会の4回目で、2番と3番、そして最初にJ・Sバッハ(B・イェストル編)のコラール前奏曲「キリエ、精霊なる神よ」、というもの。

デルファスという指揮者、ピリオド演奏を基本としているようだが、それだけではなくかなり音楽に濃い色付けをしようとしている姿勢もうかがえる。

2番でも3番でも急速な楽章、特に1楽章は早いテンボで一気呵成に進め、緩徐楽章ではかなり濃厚に歌わせ、更に細かい箇所でかなりの色付けを行っている。堅調な指揮者のようで、よく言えば個

性的、見方によればいじりすぎの感もある。

聴いてないのでなんとも判断できないが、当初の予定のリープライヒと方向性は似ている指揮者のように思える。

最初のJ・Sバッハ(B・イェストル編)のコラール前奏曲「キリエ、精霊なる神よ」はOEKのアンサンブルの良さが明瞭に現れた演奏。原曲はオルガンだが、編曲では、高音部を主に管楽器が受け

持ち、低音部を通奏低音のように低音弦楽器が受け持ち、元のオルガンの厚みのある音色を巧みに表現していた。

この日のメーンテーマ、ベートーヴェン。2番の序奏部からこの指揮者の方向性が明確な演奏。

かつて主流だったロマンティックで壮大なベートーヴェン像と異なる、引き締まった鋭い演奏。主部も早いテンポでグングングンと疾走する。ただ、テンポが速い割には、どうも音楽の前進性とい

うか、流れにはやや乏しい。これは、3番の1楽章でも感じられ、何故か不思議な感がした。

音楽の流れよりも細部のテクチチュアの明確さを追求しているようだ。細かい部分でかなりの工夫をしている。それ故に、やや全曲の見通しと言う点では不満が残り、部分的なディフォルメされた

部分の印象のみが残る。管楽器、ティンパニの強奏等がその典型。3番の4楽章では、一層大胆なディフォルメがなされており、弦楽器の変奏の部分で、独奏者のみに変奏を任せ、室内楽的な響きを

追求したりもしていた。

ベートーヴェンの初期から中期にかけての交響曲の大きな特長は、勿論その革新性にあるわけで、この日の演奏はその革新性を明瞭に表現しようとした点では理解できるが、その革新性を何故ベー

トーヴェンは追及したかという精神性を聴き取るには不満が残る演奏。このあたりが、ベートーヴェン演奏の最も困難なところか。

しかし、この様な試行錯誤を繰り返しながらが、演奏の進化なのかもしれない。その様な意味では、聴衆にもベートーヴェンの音楽の大きさを改めて認識させてくれたともいえる。

来月はいよいよこのチクルスの最終、第9である。井上監督の代演に大植英次の登場。これも又楽しみだ。

ラ・フォール・ジュルネ金沢2013

2014年5月4日～5日

石川県立音楽堂　コンサートホール　邦楽ホールアートホール

今年もラ・フォール・ジュルネ金沢が開催された。今年で既に7回目、この行事もすっかり金沢に定着し、楽しみにしているファンも多い様だ。賑わいの中に音楽を楽しむという、落ち着いた雰囲

気になっている。

運営面もすっかり軌道に乗って私が昨年指摘した演奏会の間隔も、ゆとりを持ったものに改善されていたことは嬉しかった。これにより、ずいぶんゆっくりと音楽を楽しむことが出来る。実際、ス

ケジュールを作る際、自分でゆとりを持つように計画すれば良いのだが、どうしても、あれも、これもと欲が出てくるので、やはりこの様に演奏会間がある程度余裕があるとありがたい。

もう一つ、昨年気になった、ショップでの食事だが、今年も改善されているとは言いがたい。例をあげて悪いが、ANAホテルのウィンナシュニッツエルを食したが、カスカスの冷めたカツでとて

もいただけない。音楽祭に食べ物は関係ないととは思うが、やはり印象を悪くする、一考をお願いしたいものだ。

今回の最大のトラブルは井上監督の病気欠場だろう。咽頭ガンとのことで、あの元気な方がとびっくりしたが、本当に残念なことである。一日も早い復帰を信じたい。

今年は集中開催日が3日間となった。テーマは「三都物語」、ウィーン、プラハ、ブタペストと、ハプスブルグ帝国時代の中欧の三大都市にちなむ音楽となっている。作曲家で言うと、ブラームス

、ドヴォルザークが中心で、他にスメタナ、バルトーク、コダーイ、ヤンーチェック、スーク、マルティヌー等が取り上げられている。

例年にも増して、演奏家は多彩かつ個性的な面々で、LFJの大きな楽しみである私たちが中々耳にすることの出来ない演奏家を集中して聴くことが出来るという特色が今年も十分に生かされていた。

主宰者のルネ・マルタンの確かな耳を讃えたい。

ピアノでは、ヴァネッサ・ワーグナー、ルーカス・ゲニーシャスという異才が凄いピアノを聴かせてくれた。

チェロのアレクサンドル・クニャーゼフは壮絶なトヴォルザーク。又、井上監督の代演を勤めた三橋敬子の力動的な指揮ぶりも印象に残る。

タタルスタン交響楽団という聴きなれないオーケストラが、アレクサンドル・スラドコフスキーという、これも日本では殆ど知られていない指揮者の下で、「新世界交響曲」の見事な演奏を聞かせ

てくれたりと、私たちが知らない音楽の世界を聴かせてくれたのは、LEJならではであった。

又、私の聴いた最後の演奏会の、OEKのカルテットと近藤嘉宏のドヴォルザークのピアノ五重奏曲は、OEKの充実した現在を象徴する名演だった。

下記に聴いた2日間の演奏会の短い感想を記す。

Vn.坂口晶優

Pf.鶴見　彩

リスト　バラード第２番　

リスト　ハンガリー狂詩曲第２番

バルトーク　ルーマニア民族舞曲

石川出身の新進二人による演奏会。

鶴見彩のリストは、強い打鍵と雄大で新鮮な世界。若々しい情熱を聴くよう。

坂口晶優はしっかりとしたヴァイオリン。更に、細かい、ニュアンス、音楽の表情が加われば、更に成長が期待できる。やや一本調子なの

が惜しまれる。

大阪桐蔭高校吹奏楽部

スメタナ　交響詩「モルダウ」

コダーイ　組曲「ハーリ・ヤノーシュ」より　
リーヴァイ　「エリザベート」より

高校吹奏楽団の雄、大阪桐蔭高校の登場。

何と部員185名、舞台にぞろりと並ぶと将に壮観。各パート毎に数十人はいるようだが、驚くのは演奏技術の高さ。これだけの大編成なのに、パー

トごとにアンサンブルが微塵も乱れない。これは、音楽部というよりも体育会系のサークルの様な訓練の高さを思わせる。

途中、舞台転換をしながら、ポルカ「狩り」を演奏したり、アイーダの凱旋行進曲では、合唱を披露したりと、極めて高いパフォーマンスを披露、

立ち見も出る超満員の聴衆を仰天させ、熱狂させていた。高校の吹奏楽部のレベルの高さを実感。

Pf.ジャン・デュペ

リスト　巡礼の年第2年「イタリア」より、

ペトラルカのソネット　47番、123番

リスト　19のハンガリー狂詩曲より1番、4番、18番

リスト(デュペ編) 19のハンガリー狂詩曲より19番

フランスのピアニスト、ジャン・デュペ。

落ち着いたソフトな音色と、磨かれた音色。ペトラルカのソネットでの深い思索。

リストの濃いロマンを深い次元で表現。

ハンガリー狂詩曲では、勿論巧みなテクニックを披露するものの、決してこれみよがしでない、落ち着いた表現。

京都市交響楽団

指揮　広上淳一

スメタナ

交響詩「わが祖国」より

高い城、モルダウ

ターボル、プラーニク

予定されていた井上監督が病気静養のため、京響常任指揮者の広上淳一が代演。

広上はOEKともなじみの深い指揮者で、ベテランで誠実な音楽の作り手。

今回も実に手馴れた指揮で、この熱く雄大な交響詩を、高らかに歌い上げる。

各交響詩の描写が実に鮮やかで、最後のプラーニクでは、巨像を浮かび上がらせる様なエンディングを表現。

Vn 成田達輝

Pf.萩原麻未

ヤナーチェック　ヴァイオリンソナタ

ドヴォルザーク　4つのロマンティックな小品より1番

注目の若手二人によるデュオ

成田の表現力の豊かさ、萩原の磨きぬかれた音色と表現力。そして二人の若々しい輝くような感性。

ヤナーチェックでは、民族的色彩よりも。鋭い現代的な表現。ヤナーチェックの深い思索を、鋭く激しく表現。

ドヴォルザークでは、一転して暖色系の暖かい表現。

この様な作品に対する深いアプローチは20歳代の若者と思えない凄さを感じる。

オーケストラ・アンサンブル金沢

指揮　金聖響

ピアノ　ジャン・デュペ

ドヴォルザーク　弦楽セレナード

当初予定の指揮者井上道義とピアノのヨーゼフ・モーグが両方とも病気とのことで、指揮者、ピアニスト共変更となると言う異例の事態。

しかし、指揮者に金聖響、ピアノにジャン・デュペという実力派が代演となり、巧みな共演を聴かせてくれた。

ドヴォルザーク゛は、OEKの弦のしっとりとしたアンサンブルが秀逸。

ドヴォルザークの優しく柔らかい歌が溢れた演奏。

リストは、ソロで深みを聴かせたジャン・デュペが協奏曲では堅実で華麗な技巧を披露。ヴィルトゥオーゾの楽しさを存分に聴くことが出

来た。

ヴィルタス・クヲルテット

Vn 三上亮　水谷晃　Va 馬渕昌子

Vc 丸山　泰雄

スメタナ　弦楽四重奏曲1番

「わが生涯より」

福島のいわき市の音楽ホールアリオスを拠点とし活動しているという、珍しく貴重な地域音楽活動をしている弦楽四重奏団。

各奏者とも高い安定したレベルの奏者であるため、アンサンブルが見事で、確かな力量を持った弦楽四重奏団。

京都市交響楽団

Vc. アレクサンドル・クニャーゼフ

指揮　三橋敬子

ドヴォルザーク　チェロ協奏曲

リスト/ドップラー

ハンガリー狂詩曲第2番

なんとも凄いチェリストがいたものだ。壮絶な技巧と荒々しいまでの表現。

ドヴォルザークのチェロコンの魅力を最大限に表現。雄大な旋律はおおらかに歌い上げ、早いパッセージは怒涛のごとく表現、メリハリの

はっきりとした個性的な演奏。三橋敬子もそれに負けじと、オーケストラをドライブ、白熱したコンチェルトとなった。

Pf. ヴァネッサ・ワーグナー

シューベルト　即興曲集　Op.90

ヤナーチェック　ピアノソナタ

「1905年10月1日、街頭にて」

リスト　「詩的で宗教的な調べ」より

フランスのピアニスト。

フランスらしいエレガントさよりも、濃い色付けをするピアニスト。

シューベルトでは、第一曲などかなりテンポを落とし、揺らしながら濃厚なロマンを表現。第4曲の下降音階の転がすよう音色が魅力。

一転して、ヤナーチェクでは、ドラマティックな表現で、不幸な事件を表現。ヤナーチェックの抑えた怒りが聴こえた。

オーケストラ・アンサンブル金沢

指揮　三橋敬子

ドヴォルザーク　スラブ舞曲集Op46、72より　1、6、10、8番

バルトーク　ルーマニア民族舞曲

ブラームス　ハンガリー舞曲1、5、6番

井上監督の代演。今回は三橋敬子を色々な面から聴くことが出来、この女性指揮者のタクトの確かさと、実力を確かめることができた。

井上監督好みの選曲で。井上監督であれば、あの独特な踊るような指揮ぶりであろうと創造できるが、三橋はダイナミックで躍動的な指揮

ぶり。

指揮台での表情豊かなタクトのままに音楽が踊る様は痛快でもある。

Vn.　ジェヌヴィーエブ・ロランソー

Pf. リディア・ビジャーク

ブラームス　ヴァイオリンソナタ1番「雨の歌」

バルトーク　ヴァイオリンソナタ2番

フラン的な明るい色彩のブラームス。優しく、エレガントで伸びやかな演奏。

ブラームスらしいがっちりとした構成感と渋さにはやや欠けるが、情感が豊かな演奏。

タタルスタン交響楽団

指揮　アレクサンドル・スラドコフスキー

ドウォルザーク　交響曲第9番

日本ではほとんど知られていないオーケストラだが、その実力に驚愕。

まず、各パートのアンサンブルが素晴らしい、そして管楽器の奏者ののりのよさ、

更にはロシアのオーケストラの大きな特長であるエネルギッシュでパワフルな音。

指揮者のスラドコフスキーはスケールの大きな音楽作り。最近これ程個性的な「新世界」は聴いたことがない。

テンポは動かす、歌わせる部分はたっぷりと歌わせ、強烈なフォルテでは嵐のよう。2楽章のイングリッシュホルンのテンポの心地よさ、

3楽章の泥臭い激しさ。そして、4楽章の金管の馬力ある輝かしさ、更にコーダでの思い切りテンポを落としての大見得、やりたい放題で

あるが、実に面白い。「新世界」はまともに演奏しても面白さが伝わってこないと、思わせるような、興奮する演奏。

オーケストラ・アンサンブル金沢

指揮　金　聖響

　　　佐藤　正浩

合唱　慶応大学ワグネルソサエティー男声合唱団

スーク　弦楽セレナードより

1.3.4楽章

コダーイ　ガランタ舞曲

これも、当初井上監督の指揮の予定が変更、金聖響となった。

OEKと金はもう知り尽くしたお互いの仲であろう。安定した演奏。

スークでは弦のアンサンブルのしっとりとした叙情性が見事に表現されていた。OEKの弦楽合奏は実に表情が豊かだ。

コダーイはもう少し、メリハリと色彩感が欲しい気もするが、終結部の畳み掛けるような舞曲は印象的。

J・シュトラウスの「美しき青きドナウ」は初めて男声合唱で聴いたが、慶応大学ワグネルソサエティー男声合唱団はさすがの巧さ。男声

のみのアンサンブルの各パートが総て明瞭に浮き上がるように聞こえる。そして、ワルツ独特のうきうきとしたリズムは将に踊りだしそう

。アンコールのレハールの、やや野卑なリズムと旋律の面白さも心をくすぐる。さすがの合唱団。

合唱団との部分のみ、合唱団指揮者佐藤正浩の指揮。

Pf. ルーカス・ケニーシャス

ブラームス　ピアノソナタ1番

2010年ショパンコンクール2位のピアニストの登場。

ショパンコンクールは個性的なピアニストを多く輩出してきたコンクールだが、ケニーシャスは真の意味で個性的。

恐るべき強い打鍵、そして音楽の厳格さ。決して崩そうとせず、確かなタッチで圧倒的な迫力を生み出す。ニコリともしないふてぶてしい

表情は、音楽にも表れている。媚びようとすること無く、厳格に音楽を紡ぎだしていく。

タタルスタン交響楽団

Pf.マタン・ポラト

指揮　アレクサンドル・スラドコフスキー

リスト　交響詩「前奏曲」

ブラームス　ピアノ協奏曲2番

再びタタルスタン交響楽団。

けれんみの強いリストの「前奏曲」を、個性的な指揮者が演奏する面白さ。

しかし、もともとドラマティツクな面白さを持つ作品だと、やや、やりすぎの感もある。オーケストラもやや雑であった。

ブラームスのマタン・ポラトは真面目な演奏。楽譜を忠実に再現するようで、やや独奏者としての面白さには欠ける。だが、ブラームスは

これでよいのかも。

Pf.近藤嘉宏

オーケストラ・アンサンブル金沢

第1Vn. 松井直

第2Vn. 上島　淳子

Vr.    石黒　靖典

Ce.    大澤　明

リスト　ハンガリー狂詩曲　2番

緻密なアンサンブルと歌謡性、そしてしっかりとした構成と、ドヴォルザークの名作を堂々と表現した力演。

全体の構成感をきっちりと出しながら、細部まで丁寧に描き出していた。5人の奏者の息もぴったり、各奏者が自発性をだしながら、アン

サンブルとしても充実。

であるから、音楽自身が新鮮に息づいている。

シューマンのピアノ五重奏曲と並ぶ名曲であるが、ドブォルザークもやはりシューマンを相当意識していたのではないかと思わせる部分も

ある。

初めの近藤のリスト。力まず滑らか、円熟のリストであろうか。

オーケストラ・アンサンブル金沢第349回定期演奏会

2014年4月11日　石川県立音楽堂コンサートホール

指揮　　フィリップ　ベルノルト

ピアノ　ゲルハルト　オピッツ

ゲルハルト・オピッツをソリストに迎えてのコンサートは、ベートーヴェンの1番と3番の協奏曲を並べたプログラム。

総てが傑作であり、名曲であるベートーヴェンの協奏曲ではあるが、その中では比較的地味な2曲を並べてのプログラムも珍しい。勿論協奏曲を2曲並べるというプログラムもオーケストラの定期

としては珍しいともいえる。

名匠、オピッツを迎えての特色を持たせたプログラムだろう。

前半に珍しい、舞踊曲「騎士バレー」、後半には「エグモント序曲」を加えてのプログラム。

オピッツの名前の前に、気の毒なことに、やや名前が霞んでしまった指揮者のフィリップ　ベルノルトだが、しっかりとした主張のある音楽を聴かせてくれた。

最初の舞踊曲「騎士バレー」、ベートーヴェンの作品としては全く聴いた事の無い作品。ごく短い8曲の小品を並べた接続曲風の作品。大きな特長も無く、どんな意図でこの作品をとりあげたのか

、やや意図不明の様な感もある。

さて、ゲルハルト　オピッツによるベートーヴェン。

ドイツ正統派を継ぐピアニストという印象。虚飾を排した、楽譜から総てのベートーヴェンの意思を汲み取ろうとする様な誠実で暖かい演奏。

ベートーヴェンに限らず、協奏曲のピアノは多種多様な表現があるが、ベートーヴェンの協奏曲は特にどの様な表現を行うかという解釈では千差万別である。オピッツは自らの恣意的な解釈を排し

、あくまでも楽譜のメッセージをどの様に再現するかに腐心しているようだ。

だから、さりげなく聴いていると、やや単調で、音楽があまりに静かに流れていく様な感じを受けるのだが、じっくりと耳を傾けると、自然でありながら、味わい深く、奥深い詩情に溢れている音

楽であることが聴きとれる。

このあたりは、やはり師であるルドルフ・ケンプと同様の音楽性であるのだろう。

勿論、高度なテクニックを有しているのだが、それをひけらかす様な事は一つも無く、いかにベートーヴェンの声を再現しようかという、伝道師とでも言えるような音楽に対するひたむきな姿勢を聴くことができる。

協奏曲では、この様な演奏は聴き栄えがせず、「何か個性の無い、つまらない演奏だな。」と言うような、損な評価も受けそうだが、オピッツはそんなことはどうでも良いように、淡々と演奏して

いる。それが、このピアニストの凄さか。

ともかく、暖かく、詩的で、ヒューマンなベートーヴェンを聴いたという印象。

指揮のベルノルト、オピッツとは対照的に、かなりドラマティックな音楽を作り出している。

激しい部分は一層激しく、歌わせる部分は豊かにと、メリハリの効いた演奏。確かな実力の持ち主の様だ。

オーケストラを巧みにコントロールし、豊かな音楽を創造。

この対比が協奏曲を聴く面白さか。

アンコールのソナタの楽章、オピッツらしい、深い思索に満ちた演奏。やはり、この人はソナタの演奏にふさわしい。

オスロフィルハーモニックオーケストラ演奏会

2014年3月18日　石川県立音楽堂コンサートホール

ヴァイオリン　諏訪内　晶子
指揮　　　　　ヴァシリー　ペトレンコ

毎年3月に行われている、「東芝グランドコンサート」、今年は33回目にあたるとのこと。33年間続いてきたということだから、企業提供のコンサートとしては、老舗ということになる。

今年は、北欧ノルウェーから、オスロフィルハーモニックオーケストラがやってきた。前回の来日公演では、ヤンソンスが指揮ということで話題を呼んだが、今回は新鋭の指揮者ヴァシリー　ペト

レンコが率いてきた。

ヤンソンスにより、飛躍的な質の向上を果たしたということだが、今回の公演でも、技術的にも、又音楽の質においても、非常に高度な演奏を披露してくれた。

今回の公演のソリストは、ヴァイオリンの諏訪内晶子、ピアノのアリス=沙良オット。金沢の講演は諏訪内晶子による、メンデルスゾーン。

前半がモーツァルトの歌劇「フィガロの結婚」序曲、メンデルスゾーン「ヴァイオリン協奏曲」、後半がマーラーの交響曲第一番「巨人」

日本公演は2つのプロで、他は、ニールセン、グリーグ、ショスタコーヴィツチというプログラムの様だ。

さて、今回の公演では、若手の指揮者ヴァシリー　ペトレンコに注目。1976年ロシアのペテルスブルグ生まれということだから、今年38歳ということか、若手の指揮者である。

最初のモーツァルトから、颯爽とした、そして勢いの良い音楽が響いた。端正に演奏するのでなく、ところどころ、アクセントを強調するようなところもあるのだが、それが嫌味には聴こえない。

短い序曲の演奏の中に、かなりの自己主張の片鱗を聴く事ができた。ロマン性豊かな指揮者という印象。

次のメンデルスゾーン。あまりの名曲故に、いかに新鮮に聴かせるかということがソリストの聴かせどころとなると思うが、諏訪内は、そつがなく、艶麗でパッション溢れる演奏ではあったが、新

鮮なというところでは、やはり物足りないものを感じた。もう少し溢れる情熱というものが聴きたかった。こういう超名曲を演奏する際の難しさであろう。

アンコールにバッハ。豊かな音に彩られた、艶やかなバツハ。

さて、後半のマーラーが、この日の大注目。

マーラーらしい、スケールの大きな作品だが、スケール以上に細部のデテールの細やかな表現が要求される難曲。

2006年のここのホールでの、ジンマン指揮のチューリッヒトーンハレ管弦楽団の素晴らしい演奏を思い起こすが、今日の演奏は又趣の異なる名演。

ジンマンは実に冷静、客観的にこのシンフォニーの凄さを再現したが、ペトレンコはロマンの香りが溢れる、そして実に熱い演奏でこのシンフォニーの面白さを再現した。

1楽章の序奏部のティンパニーの静かな連打と弦の響き、そして舞台裏から響くトランペットと、ドラマの幕開けの様に開始される音楽。今日の演奏で常に聴くことの出来た、細部の細やかな表情

から、次第に大きな世界が浮かんでくる世界、それがこの序奏部に象徴的に現れていた。

オーケストラが指揮者の声の様に自由に歌う、そして高らかに歌い上げる、この指揮者のオーケストラを統率する能力の高さ。そしてそれに応えるオーケストラの質の高さ。

爆発的な興奮と、それを沈めるような静けさ、この対比の鮮やかさ。マーラーの音楽の中核であるこの要素の鮮やかな表現。

指揮を見ているとそれ程大きな棒の動かし方はしていないように見えるが、その棒からは色彩豊かでダイナミックな音楽が生まれくる。

ところどころに聴こえる、マーラーの世紀末的な響きも、それほど強調されることは無い。しかし、実にバランスのとれた演奏。

バランスの取れたという言い方をしたが、それは端正とか、冷静とかいうことでなく、音楽自体は実に熱い音楽でロマンの香りが溢れるのだが、、決してその熱さゆえにアンサンブルが崩れること

が無いという意味。

音楽を弄繰り回すことは決してしていないにもかかわらず、生まれる音楽は実に生気が溢れ、自由。指揮者の息遣いが、聴衆を酔わせるような音楽。

終楽章は、将に興奮の極。中間部の緊張に満ちた静けさから、最後の堂々たる金管の行進曲、ホルン8本を作曲者の指示通り起立させ高らかなテーマの吹奏。なだれ込む様にエンディングに入り込

みながら、ここでもアンサンブルは崩れることが無く、熱狂のうちに全曲を閉じる。見事な鮮やかな演奏。

38歳の若さでこの演奏、将に将来が楽しみな指揮者。

アンコールのブラームスのハンガリー舞曲6番も、自由闊達。最後の部分で思い切りテンポを落とし、客席に向き、面白いでしょうという様なゼスチャー。

ペトレンコという名前、忘れられない指揮者である。

オーケストラ・アンサンブル金沢第348回定期演奏会

2014年3月8日　石川県立音楽堂コンサートホール

指揮　　井上道義

ベートーヴェン連続演奏会の第3回、今日が終わると、残りは2番、3番と第9ということとなる。

今日の指揮は井上道義音楽監督。

今日は中期の傑作、4番と5番。挿入される現代音楽は、権代敦彦の「クロノス?時の裂け目?5人の奏者のための」

4番はベートーヴェンの偶数番号の交響曲の中でも、ひときわ明るい色彩を持つ作品。指揮者による解釈も様々で、この日の演奏のスタイルが注目。

基本的には、ピリオド奏法に近い演奏。ティンパニーもバロックティンパニーを使用、この作品の解釈としてはむしろ異彩の、非常に緊迫感に満ちた、骨格の鋭い演奏。

暖かく柔らかい演奏と対極を成すような、構成ががっちりとし、アンサンブルも極度に緊張感に満ちた響き。弦などそれは厳しい要求をされたようだが、その要求に応え、

1楽章の序奏部の緊迫感、4楽章の早いパッセージの見事なアンサンブルなど、このオーケストラの充実振りを見事に示した好演。

その様な厳しい弦の響きの中に、管の豊かな響きが浮かび上がる。フルートに工藤重典という名手を迎え、管楽器全体が自発性に満ち満ちた豊かな歌を繰り広げる。アンコ

ールの際に、「今日は僕は本当に嬉しい。というのは、4番をオーケストラが本当に見事に演奏してくれた。」と異例のコメントをされた程、OEKの演奏は充実していた。

4番という作品の性格上、もう少しやさしく、暖かい面も欲しいという思いも無くはないが、これはこれで指揮者の個性と、オーケストラの巧さが結実した名演といえる。

権代敦彦の作品は、ピアノ、バスクラリネット、ホルン、チェロ、パーカッションの5人の奏者によるという、非常に変わった編成の作品。2012年のラフォール・ジュルネ

、フランス-ナント-、と東京での演奏会のための委嘱作品とのこと。2011年の東日本大震災による福島原子力発電所の事故と25年前のチェルノブイリ原子力発電所の事故

とをテーマにした作品。作品については、プレトークで作曲者自身がかなり詳しく語っていたので、テーマを非常にわかりやすく聴くことができた。権代敦彦はそのトーク

の最後に、「今まで話したことは総て忘れていただいて、純粋な音の世界のみをお聴きください。」と語ったが、詳細な作品へのアプローチを作曲家自身から聴いてしまう

と、それは無理な話。

音階の3つの音が絶えず作品全体を支配、レクイエムとも痛切な叫びとも聴く事のできるフレーズが5つの楽器により、時にはうめきの様に沈潜、時には激しく絶叫するよ

うに高まったりと展開されていく。

バスクラリネットの太く低い響き、チェロの激しい奏法、ピアノも弦を押さえて弾くなどの特殊な奏法、更に後半には印象的な連打、そしてパーカッションの多彩な響き。

最後は、永遠が全体を支配するような、遥かな弱音が消えていく。祈りとも聴くことが出来るが、その様な浅薄なものでない、作曲者の絶望を聴く様な気もする。

休憩後は5番。基本的には4番と同様のアプーローチ。当然のことだが4楽章に大きな山を築き、それまでの3楽章はむしろ若干抑え気味とも思える演奏。一部の隙も無い、

見事な構成の作品だけに、井上監督も、がつちりとした隙の無い音楽を作り上げていたが、3楽章のパッセージから4楽章の歓喜の主題の雄渾な音楽は、将に満を持してと

いう演奏。4楽章では最近の演奏では珍しく、提示部のくり返しを省略していたが、冗長さを嫌ったのであろうか。

それにしても、劇的で雄渾な作品ということを、再認識。楽章最初の4つの有名な和音が作品全体を構成していること、そして「苦難を乗り越えて歓喜に!」というテーマが

その構成により見事に構築されていること。

この様な演奏で聴くと改めてこの作品の凄さを聴くことが出来る。特に今日の演奏の4楽章は、揺ぎ無い大きな建造物を見るようで、感動的。

5番の演奏に良く見られる、煽ったり、テンポを極端に動かしたりすることもなく、落ち着いたテンポの衒いの無い演奏なのだが、それが一層この作品の巨大さを表してい

た。

アンコールに8番の2楽章。ゴトーニの演奏で8番を聴いたばかりだが、井上監督の演奏で全曲を聴いて見たいものだ。

マリア・ジョアン・ピリス　ピアノリサイタル

2014年3月2日　入善コスモホール

2009年にここのホールへやってきたマリア・ジョアン・ピリスが5年ぶりにこのホールに帰ってきた。

2009年のプログラムはショパンとリストの晩年の作品を集めた独特のプログラムだったが、今回はシューベルトの最後のピアノソナタ21番を中心としたプログラム。

このピアニストの人気をうかがわせ、最近聴衆の減少が目立つこのホールがほぼ満席の状況、県外からの聴衆も多いようである。

今回のプログラムは前半がシューベルトの即興曲op.90、ドヴュツシーのピアノのために、後半がシューベルトの大作ピアノソナタ21番。非常に楽しみなプログラム。そし

て、結果として完璧なシューベルトを聴くことが出来た。

ピリスというピアニスト、小柄であり、印象としては地味で、おとなしく、内面的なピアノを弾くというイメージを勝手に作り上げていたが、それとは正反対の、濃密、そ

して堅固な構成の音楽を作り出すピアニスト。

タッチの豪快さと、弱音の暖かさ、ダイナミズムと緻密さ、それらを兼ね備えた類まれなピアニスト。

アルゲリッチの様な、自由奔放な個性とは異なるが、自らの確固たる音楽観を持った個性的なピアニスト。

最初のシューベルトの即興曲op90の1番。テンポを落としたテーマが、濃密な雰囲気を漂わせ歌いだされる。

繊細なシューベルトというより、がっちりとした構造の中で、シューベルト独特の歌が聴こえてくる。

随所随所でテンポが微妙に揺れ動く。しかし、全体の構築はがっちりとしていて大きい。

2番、3番、4番も同様にスケールの大きさを感じる。この作品全体が、素晴らしい歌に満ち満ちているので、その歌をいかに美しく聴かせようかと言う演奏も多いが、ピリ

スは、ドラマを語るような雄弁な語り口で、この作品を聴かせる。そして、このスタイルは21番のソナタに見事に結実している。

シューベルト最後のピアノソナタ21番。一切の思い入れを排するような1楽章の淡々とした出だしから、徐々にドラマが形作られていく。細部を弄繰り回すことは一切しな

いで、がっちりとしたソナタ形式の構成を保ちながら、その中でシューベルトの豊かな旋律が歌われる。シューベルトの音楽が、いかにベートーヴェン的であり、ベートー

ヴェンに畏怖の念を持っていたかを聴くことが出来る演奏。

あまりにも美しく、そして雄弁な旋律が多いシューベルトのため、その表現に過度の感情移入が多く聴ける演奏が大半な中で、ピリスは非常に禁欲的でありながら、スケー

ル大きなシューベルト像を描き出している。

起伏の多い、ダイナミズム。これ程スケールの大きさを感じさせる演奏は聴くことは稀だ。

若い頃のピリスのこの作品を演奏する映像を見る機会があったが、その頃はもっと感情移入が激しく、テンポの揺れも大きい。それはそれで素晴らしい演奏なのだが、それ

から数十年、もっともっと余計な感情をそぎ落とした雄大なシューベルトが、現在のピリス。

第4楽章の転がるような旋律の鮮やかさ。細かい旋律でありながら、矮小に陥ることなく、豊かなスケールで歌われる。

40分以上に渡る大曲だが、シューベルトのこの作品に託したドラマを聴くような演奏であり、聴いた後は完璧なシューベルトとの感嘆以外になかった。

前半の最後のドヴュッシーの「ピアノのために」これは、又南欧を感じさせる暖かさと色彩感、そしてリズム感に満ち満ちた演奏。

オーケストラ・アンサンブル金沢第347回定期演奏会

2014年2月23日　石川県立音楽堂コンサートホール

指揮　　山田　和樹

ピアノ　木村　かをり

オルガン　　黒瀬　恵

ソプラノⅠ　小林　沙羅

ソプラノⅡ　熊田　祥子

テノール　　西村　悟

合唱指揮　　富沢　裕

合唱　　　　オーケストラ・アンサンブル金沢合唱団

　　　　　　東京混声合唱団

　　　　　　金沢大学合唱団

児童合唱　　OEKエンジェルコーラス

今回の定期は合唱団を加えた大規模な作品を、新鋭山田和樹が指揮するというところが注目。

OEKの定期では、過去例年２月頃にマタイ受難曲等大規模な声楽作品が並べられることがあったが、その流れを継いだ企画とも言える。

プログラムは前半に、三善晃の、「三つのイメージ(童声・混声合唱とオーケストラのための〔詩:谷川俊太郎〕)」、後半がメンデルスゾーンの交響曲第２番「讃歌」。

山田和樹はOEKでは馴染みの指揮者であるが、プレトークによると定期を振るのは３度目で、過去２回はいずれも予定の指揮者の故障による代演であったとのこと、意外で

あった。

私の記録を見ると、なるほど201年６月、ロジェ・ブトリーの代演、そして翌年１月にニューイャーコンサートでベートーヴェンを振っている。過去２回の代演というのは

、それ以前に故岩城監督の身体の不調による代演があったようである。

そういえば松本の音楽祭では、小澤征爾の代演も行ったし、代演に縁のある指揮者でもあるようだ。

いずれにしても、ブザンソン国際指揮者コンクールで優勝して以来、ヨーロッパでは注目の若手指揮者であり、スイスロマンドの首席客演指揮者、今年からはモンテカルロ

管弦楽団の首席客演指揮者に就任と。輝かしい将来を予測させる俊英だ。その様な指揮者がOEKゆかりの指揮者であるということも嬉しいこと。

さて、前半は昨年惜しくも亡くなられた三善晃の作品。OEKの委嘱により、2002年度のコンポーザー・イン・レジデンスに就任した際に作曲、2002年9月に故岩城監督の指

揮で初演されている作品。

児童合唱と混声合唱による大規模な作品。とはいうものの、OEKの規模に合わせているため。打楽器群以外は小さめのオーケストラに合わせた編成。

谷川俊太郎の「3つのイメージ」という詩によっている。多彩な打楽器とピアノにより、詩のイメージが音により、具体的に描かれる。

火と水と、それをあやつる人間という3つのイメージ。それぞれが矛盾をはらんだ存在であり、しかしその矛盾の中で未来を志向するという詩のイメージを、レシタティー

ボの様な声の叫び、素朴な児童合唱の歌でつむぎ上げていく。

火の激しさ、水の豊かさ、人間の大きさという詩のイメージが、打楽器群を中心としたオーケストラと児童合唱にと混声合唱による音楽によりかなりリアルに表現される。

繊細で優しいという先入観のある三善の音楽とはやや異なり、熱いメッセージが聴こえてくる。

山田和樹の指揮も、そんな作品の特質を明確に表現、合唱団の熱演もあり、作品の本質に迫る熱い演奏。

アンコールに三善先生への追悼の意味をこめてと、「夕焼け小焼け」が合唱団とオーケストラで演奏された。

優しく素朴な児童合唱で始まり、最後はフルオーケストラと合唱団が雄大に締めくくる。例の良く似ているという「トゥランドット」の旋律も想起させる様な編曲。編曲は?

後半は、演奏されることの珍しい、そして大曲、メンデルスゾーンの交響曲2番「讃歌」

プレトークでも山田和樹が、「金沢初演?」と述べていたが、恐らくそうであろう。

全体は4つの楽章からなり、前半1.2.3楽章がオーケストラで演奏される第一部、4楽章が9曲からなるカンタータ、あるいはオラトリオとも呼べる第2部という大きな構成。

二人のソプラノとテノール、それに混声合唱を要するのだから、中々演奏される機会も無いのだろう。

1楽章の冒頭のトロンボーンで奏される聖歌風な壮大なテーマが全曲の枠を形作っている。このテーマは、5番「宗教改革」を想起させる様な旋律。

1楽章からは3楽章まではメンデルスゾーンらしい明るく爽やかな風が吹き渡るような交響曲。

山田和樹はやや遅めのテンポとりながら、きっちりとしたリズムを刻み、この作品の祝典的な性格を明確に表現、若々しく瑞々しい音楽を創り上げていた。

1楽章の端正だがはじけるような喜びに満ちた音楽、2楽章のやや憂いに満ちていながら何とも魅力的な舞曲、3楽章の気品に満ちた静けさと、3楽章までのオーケストラに

よる部分はメンデルスゾーンらしい魅力に溢れている。

4楽章からは二人のソプラノ、テノール、混声合唱による大規模なカンタータ。テクスチュアは聖書によっているが、キリストへの熱い信仰を歌い上げていく。

4楽章にこの様な部分を置いたということは、明らかにベートーヴェンの第9を意識しているようだが、この作品の4楽章はベートーヴェンの人間への讃歌とは異なり、純粋

な神への信仰心の吐露である。

その意味では、むしろバッハやヘンデルのオラトリオに性格は近いとも思える。

第2部、4楽章は9曲からなり、約40分を要する大曲。讃歌という名の通り、神に対する賛辞が全体を多い、祝典的な雰囲気が全曲を支配している。

ソプラノの小林沙羅、熊田祥子、テノールの西村悟、いずれも良く通る、劇的な歌唱。合唱も80名程の大合唱団。

大健闘の合唱団だが、もう一つ柔らかい表情があればとも感じさせた。

山田和樹の若々しい勢いを感じる音楽造りはこの作品の性格にぴったり。

第5曲のソプラノに寄り添う柔らかいホルンの響きなど、聴かせどころでのOEKの演奏も見事。又随所に響くオルガンの重い響きも印象的。

第6曲から7曲にいたる、夜の闇が消え昼が訪れ、感謝を神にささげる部分のドラマティックな展開を経て、8曲のコラールでは合唱団のみのアカペラの部分があるが、ここ

での合唱団のハーモニーは見事。

終曲では神への感謝の高らかな歌が歌われ、冒頭のこの作品の核を成す旋律が高らかに奏され、全曲が結ばれる。

全曲が終わると同時に、「ブラボー」の声が飛ぶ、充実した演奏。

この珍しい大曲を、優れた指揮者、独唱者、合唱団を揃え聴くことが出来た機会は貴重。定期ならではのプログラムを堪能した。

J.シュトラウス　喜歌劇「こうもり」

2014年2月15日　石川県立音楽堂コンサートホール

アイゼンシュタイン　　　　ペーター・ボーディング

ロザリンデ　　　　　　　　小川　里美

アデーレ　　　　　　　　　小林　沙羅

ファルケ　　　　　　　　　セバスチャン・ハウプマン

ブリント　　　　　　　　　新海　康仁

フランク　　　　　　　　　妻屋　秀和

オルロフスキー　　　　　　タマラ・グーラ

アルフレード　　　　　　　ジョン・健・ヌッツォ

フロッシュ　　　　　　　　西村　雅彦

2幕のスペシャルゲスト　　メラニー・ホリディ

指揮　ハンス・リヒター

演出　佐藤　美晴

脚本　アンティ・キャロメン

芸術アドバイザー　メラニー・ホリディ

合唱　こうもり特別合唱団(はくさん合唱連盟、女声合唱団コーロ・カメリア、武蔵野音楽大学合唱団)

管弦楽　オーケストラ・アンサンブル金沢

J・シュシラウスの代表オペレッタ「こうもり」を、石川県立音楽堂、東京芸術劇場、ウィーンフォルクスオーパーの共同企画により、新演出にて行うという意欲的な企画。

地方でも、この様な質の高いプレミアムとも呼べる公演が聴く事が出来るまでに、金沢の音楽環境が高くなってきたことは本当に嬉しい。やはり中心となるオーケストラが

あり、音楽ホールがあるということが、その都市の文化レベルをどれ程高めることになっているかという証明とも思える。

この日の公演は、コンサートホールにおけるシァターオペラであるということ、脚本も演出も全く始めてのプレミアムであることが最大の特長。

前者で言えば、音楽堂コンサートホールでオペラが立派に上演できることが証明されたことは大きな収穫。

2012年にもビゼーの「カルメン」がやはりここで上演されたが、工夫次第でコンサートホールでも十分にオペラは上演出来るということ。金沢では歌劇座という、歌劇専門

劇場もあるが、駅前という地の利を得た場所でのオペラの上演は聴く方にとっては有難い。

スタッフは、オペラ設備の無いところでの舞台で、大変な苦労があったことと推察されるが、舞台は美術・照明など見事な出来栄えだった。

オーケストラピットは無いので、前部の座席数列を外し、そこにオーケストラが配置されるということとなったが、三階席で聴いても、良く響いていた。

コンサートホールの舞台という狭い空間での舞台装置だが、白を貴重とした簡潔な舞台は、かえって想像力を膨らませる効果があったように思う。又、照明の効果が最大限

に生かされ、2幕のパーティーの場面では照明をホール全体に照らし出し、ホール全体をパーティー会場にしてしまう様な効果的な使い方。

正面のオルガン席の上に日本語字幕の表示板、そこに大きなカーティンの様な布を下ろし、時にその布に開いた細かい穴から照明がもれ、星のような効果が見えるなど、非

常に照明が効果的に使われていた。

後者の新脚本・演出という点。まず、舞台が東京に設定されているという意外性。アイゼシュタインとファルケはウィーンから出張してきた証券ディーラー、オルロフスキ

ーは正体が判然としない富豪であるが、想像逞しく考えればIT企業のオーナーであろうか。ともかく、19世紀末のウィーンの舞台を現代の東京に設定したという意外さ。

それがどういうことかという点が、この新演出「こうもり」の最大の謎といえる。

演出の佐藤美晴はこのオペレッタの底にあるのは、第一次世界大戦を前にした経済的にも、政治的にも不安に満ちた世相に生きる人間が、享楽にしか生きる価値を見い出さ

ざるを得ない哀しさがあるのでないかということ、又そんな社会に生きる人間の逞しさとうものもこのオペレッタにあるのでないかという、いってみればかなりの深読みを

試みているように思える。その様な世相は、現代の日本と同様ということを、この新演出で表現しようとしているようだ。

その表現の典型は、2幕の後半のシャンパンに酔いしれるドンチャン騒ぎの場面で、照明をすっと落とし。暗い中で飲み騒ぐという何とも不気味な部分に現れているし、3幕

の警察署の留置場の場面での、ホームレスの登場などに象徴されている。

この様に、このプレミアムは「こうもり」というオペレつッタが楽しく、美しい音楽に彩られているが、その裏面にあるものは?という点を現そうとしているわけだが、果

たしてそこまでこのオペレッタ「こうもり」を深読みすることが妥当かという疑念は残るわけだが、非常に大胆な試みであることは間違いない。

歌手たちは皆実力者そろい。表現力、テクニツク、どれをとっても素晴らしい。特にアデーレ役の小林沙羅は、この役柄にぴつたりの小悪魔的な可愛らしさを身体で表現、

コロラトゥーラのテクニックを存分に披露。

ロザリンデの小川里美は落ち着いたいた大人の表現の美声、2幕の「チャールダッシュ」の情感こもった歌は聴かせどころタップリ。

アイゼンシュタインのペーター・ポーディング、ファルケのセバスチャン・ハウプマンも、それぞれの役柄を的確に表現。

歌手ではないが、3幕の西村雅彦のフロッシュはさすがという演技。

2幕では色々な楽しい試みがなされる例が多いが、今回はスペシャルゲストとしてメラニー・ホリディーが登場。

相当の高齢と思われるが、艶麗な容姿と、柔らかなソプラノは全く衰えを見せない。さすがという歌唱。

金沢では管弦楽はOEK、東京公演は東京交響楽団が担当。

OEKは指揮者、ハンス・リヒター(何と、あの音楽史に名を残すハンス・リヒターの曾孫とのこと。)の手馴れた指揮にぴったりと寄り添い、オペラ座のオーケストラとして

も、的確な表現力。2012年の「カルメン」の時にはやや物足りなさを感じたが、今回は歌を立派にサボート、弦の柔らかさ、木管のふくよかな歌など、このオペレッタの色

彩感溢れる音楽を生き生きと表現していた。

オーケストラ・アンサンブル金沢第346回定期演奏会

2014年2月1日　石川県立音楽堂コンサートホール

指揮　ラルフ・ゴトーニ

ベートーヴェン全曲演奏会の第2回目。指揮は先週に引き続きフィンランドの指揮者、ラルフ・ゴトーニ。

前半が、フィンランドの現代作曲家、クーシストの「ライカ」、ベートーヴェンの交響曲6番「田園」、後半が第8番。

通常、メインとなる作品は時間・規模の大きな作品となるので、今日の配列が気になったが、ベートーヴェンのシリーズということを意識してか、作曲年代順の配列となっていた。

最初のクーシストの作品。ホルン4本、トロンボーン3-本、トランペットベートーヴェン2本、木琴、ビブラフォーン、ドラ等のパーカッションに木管、弦楽合奏というかな

り大きな編成。

導入部の打楽器を含んだ大音響にびっくりしたが、その後は大きな編成にもかかわらず、各楽器のテクスチュアーズが細かく浮き上がり、北欧的な冷たい響きの中に、民謡

を想起させる様な親しみやすい旋律が浮かび上がったり、民族的な色彩も感じる面白い作品。「ライカ(LEIKA)」とはどの様な意味なのか、興味がある。

ベートーヴェンの連続演奏会、今回は6番「田園」と8番。

ベートーヴェンの交響曲の中では、4番と並び、明るく、やさしい雰囲気の満ちた名作が2つ。

6番「田園」は過去本当に様々な解釈の演奏が並び、それだけに指揮者の意図と、実力に注目が集まる作品。

この日の演奏は、オーソドックスであり、飾り気の無い演奏でありながら、実に暖かく、ヒューマンな演奏。

この作品に寄せる作曲者、ベートーヴェンの心の平穏への切実な希求が伝わってくるような演奏。

よく言われることだが、この作品が単に風景の描写ではなく、描写を通じたベートーヴェンの心象風景であることを、改めて聴くことができた演奏。

テンポも中庸でありながら、心地よく音楽は進行し、5楽章の、大きな喜びのクライマックスへ達する。

4楽章から5楽章へのブリッジから、5楽章の雄大なテーマが歌われる部分、大きな開放感のある雄大な音楽が展開された。

5番は3楽章までの過酷で激しい闘争の末の4楽章の歓喜の歌であるのだが、この6番でもベートーヴェンは手法は異なるものの、同じテーマを歌っているのだということが良

く理解できる演奏だった。

6番の演奏では、どうもこの5楽章の取り扱い方が粗雑な演奏が多く、不満を持つことが多かったが、今日の演奏は実にスケールの大きい人間ドラマを聴くようで、感銘が深

い演奏。エンディングのテンポを落としながら、念を押すような終結部も心に残り印象的。

休憩後は8番。8番が最後にくる演奏会も珍しいことのように思う。

しかしながら8番は、演奏時間と規模は小さいが、内容はぎっしりとつまったシンフォニーではある。

7番とも通じるような、リズムの激しい音楽であり、ベートーヴェンらしさの塊のような激しく、デモーニュッシュな音楽でもある。

今日の演奏もその様な重さと、激しさが十分に備わったスケールの大きな演奏、叩きつけるようなリズムの激しさと高揚が全曲を覆っていた。

ともすれば、この作品の軽快さ、明朗さを表現するような演奏も多いが、ゴトーニはどっしりとして、大きい構えのベートーヴェン像を表出、この作品の真価を聴く事が出来た。

アンコールは、ピチカートによる愛らしい小品。ロビーでの紹介では、マルムステイーンの原曲とのこと。そちらの分野は不明だが、スウェーディン出身の大人気ロックギ

ターリストの様である。

オーケストラ・アンサンブル金沢第345回定期演奏会

2014年1月26日　石川県立音楽堂コンサートホール

指揮　ラルフ・ゴトーニ

ピアノ　　　　ラルフ・ゴトーニ　　　　

ヴァイオリン　マーク・ゴトーニ

チェロ　　　　水谷川　優子

一昨年にOEKを振って以来2年ぶりのフィンランドの識者、ラルフ・ゴトーニの登場。２年毎に登場しているので、もう、OEKにはおなじみの指揮者だ。

プログラムがかなり凝っているのがこの指揮者の特長、過去3回も、古典から現代まで幅広く、かつ埋もれた作品も紹介するなど意欲的なプログラミングが特長か。そして

、堅実な指揮ぶりで、緻密なアンサンブルと重厚な響きををOEKから引き出すなど、名匠という印象の指揮者だ。そして、過去いずれもピアノでの弾き振りが入り、ピアノ

の巧みな指揮者でもある。

今回もそんな特長の現れたプログラム。フィルハーモニーの今回と、マイスターの来週の２回を指揮する。

マイスターはベートーヴェンの全曲演奏会の一つで、６番と８番と現代作品。

今回のフィルハーモニーはベートーヴェンのコリオラン序曲、ヴァイオリン・チェロ・ピアノの為の三重協奏曲、後半がウェーバーの交響曲第一番。やはり個性的なプログラミング。

ベートーヴェンの三重協奏曲は有名な、名曲でありながら、三人の奏者を要するためか、あまりコンサートでは取り上げられないように思う。ウェーバーの交響曲１番にい

たっては、取り上げられることすら珍しい作品であろう。

コリオラン序曲は一昨年のプログラムにも入っていた。同じ作品を取り上げるとは、余程ゴトーニが好きな作品なのであろう。

出だしの乾坤一擲の様なティンパニーの力強く重い響きから一気にこの作品の悲劇的な世界へ入る。極めて厚く重い響きをオーケストラから引き出し、劇的なベートーヴェ

ンの音楽が展開される。安定したテンポと、細部まで丁寧なアンサンブル。エンディングではテンポをやや落としながら、悲劇的な余韻を印象深く刻む。雄弁な序曲。

次の三重協奏曲は、ゴトーニがピアノを受け持ちながらの弾き振り。チェロが当初予定の、ウォルフガンク・ルールホイヤーが急病のことで、急遽水谷川優子に変更という

アクシデント。

ヴァイオリンはゴトーニの息子と思われるが、マーク・ゴトーニ。

チェロが低音から高音まで使われるなど、チェロにとっては難曲。水谷川優子は急の変更登場で、やや弾きこみが不足かなという部分もあったが、熱演。

中期のベートーヴェンの作品としては、珍しく典雅で明瞭な雰囲気に溢れ、気持ちよく聴くことのできる作品。

ゴトーニはしっかりとしたテンポのピアノで中核を作りオーケストラを統率しながら、ヴァイオリンとチェロを支える。この作品の明るく、おおらかな雰囲気に魅了される

演奏。

チェロは高音部分にやや難があり、そのあたりがやや惜しい。

後半がウェーバーの交響曲１番。非常に珍しい作品だ。

均整のとれた４楽章からなる古典的なスタイルを持つ作品だが、内容は実にロマン的。

ウェーバーらしい魅力的な旋律に溢れた作品で、シューベルトの初期の作品を髣髴とさせる。

１楽章後半の主題など、いかにもウェーバーの旋律、ドイツの踊りのような親しみさがある。

４楽章のフルート、オーボエの歌も実に魅力的。

もっと多く演奏されても良いと思えるような佳曲。

ゴトーニの演奏も、分厚い響き、旋律の歌わせ方等、この作品の魅力を十分に引き出した演奏。

OEKも弦の厚いアンサンブル、オーボエ、フルート等管の豊かな歌など。ゴトーニの要求にしっかりと応えた熱演。

アンコールにシベリウスの「悲しいワルツ」これも清冽な響きに溢れた名演。

ヴァイオリンと共に歩んで６０余年

黒沼ユリ子ヴァイオリン・リサイタル

2014年1月17日

東京・紀尾井ホール

Vn 黒沼　ユリ子

　　波多野　せい

Vra 岩本　憲子

Pia.   ラファエル・ゲーラ

黒沼ユリ子さんは、私が大学の時代の1967年、サークル主催のコンサートにお招きして以来のお付き合いであるから、46年程のおつきあいとなる。その頃はチェコの留学か

ら帰られ、注目の新進ヴァイオリニストとして国内外で活躍されていた頃である。私たちのサークル、クラシカル音楽研究サークル(通称クラ研)で初めてプロの演奏家を招

いてコンサートを行うという、今考えて見れば無謀な試みを実行したわけであるが、その試みに快く演奏を引き受けていただいたのが黒沼ユリ子さんだった。私たち実行委

員会のメンバーで、烏山のご自宅を訪問し、勝手なプログラムのお願いやら、打ち合わせを行ったことを、本当に昨日の様に思い出す。私たちのプログラムへの勝手なお願

いも聴いてくださり。又貴重なご助言もいただいたりした。そして、クラ研部員の奮闘努力もあり、会場の金沢市観光会館を約1,000名の聴衆が埋め。大成功裏に終わったこ

とは青春の貴重な思い出である。

演奏会前の舞台脇で、多くの聴衆を見て、「良く入りましたね」と黒沼さんがびっくりされていたのを思い出す。

その頃は、労音のクラシック例会でも400名前後を集めるのに四苦八苦していたのだから、確かに良く入ったものと思う。

それ以来、金沢や富山にリサイタルに来られる度にお会いしたり、拙宅にもお寄りいただくなど親しくさせていただいてきた。

その40数年間に黒沼さんは、諸事情により、居をメキシコに移し、メキシコの音楽家を育てることに大変な力をそそがれた。

お忙しい演奏活動の傍ら、1980年メキシコシティーで「アカデミア・ユリコ・クロヌマ」を自費で立ち上げられ、昨年閉校されるまで、数多くのメキシコのヴァイオリニス

トを育て上げてこられた。日本へアカデミアの生徒達を数回連れてこられ、演奏会を催すなどの。日本とメキシコの文化交流に大きな功績を残してこられた。

その中からは、アドリアン・ユストゥフ等の逸材をはじめ、数多くの演奏家が世界で活躍している。

数年前からは、團伊玖磨の歌劇「夕鶴」を総てメキシコの歌手・オーケストラで日本語上演を成功させるなど、スケールの大きい音楽活動を実践されてこられた。この「夕

鶴」は日本公演も行われ、今年はメキシコで8回目の公演が予定されているとのこと。

その黒沼ユリ子さんが、東京で実質的には演奏家生活最後となるリサイタルを行うということで、私もご招待を受け、東京紀尾井ホールへ駆けつけた。当日は、関東在住の

クラ研の仲間のH君、S君も駆けつけ。当時を思い起こしながら感慨深くリサイタルを聴いた。

プログラムは音楽活動の中でも、メモリアルとなるような作品が並べられ、その作品についての思い出を語りながらのリサイタルとなった。前半はドヴォルザークの「ユモ

レスク」で始まり、ヘンデルのヴァイオリンソナタ4番、フランクのソナタと続き、後半はヴァイオリンの波多野せいさん、ビオラの岩本憲子さんを加え、マルティヌーの

セレナーデ2番(２台のヴァイオリンとビオラの為の)、ポンセの二重奏ソナタ(ヴァイオリンとビオラのための)、清瀬保二のレント等が演奏され、最後がスメタナの「わが故郷より」で締めくくられた。

後半のマルティヌーとポンセでは、中澤宗幸氏製作の2台の津波ヴァイオリンと津波ヴィオラが使用され、東北大震災で亡くなった方へのレクイエムと復興への思いをこめ

て演奏された。津波ブァイオリン・ビオラは奇跡の一本松や津波で流された住宅等の部材を用いて製作されたヴァイオリン、ビオラで、多くの音楽家によってリレーで演奏

されている楽器。楽器の裏には奇跡の一本松の絵が描かれている。

プログラム最初、ドヴォルザークのユモレスクは、最近メキシコの放送局のインタビュー番組の中でピアノ伴奏無しで弾かれたのを、You tubeの動画で聴き、暖かく、心に

しみいるユモレスクの旋律に心打たれたが、今日の演奏も、テンポをややおとしながら、しみじみと歌い上げられ、郷愁の響きを聴く思いだった。

次のヘンデルでは、バロックの典雅な雰囲気をただよわせながらも、ヘンデルの作品に寄せた情熱が、黒沼さんの言葉で語られ、単に古典の枠を超えた、スケールの大きい(
)、人間味溢れるヘンデルであった。

前半最後は名作、フランクのソナタ。関晴子さんとの共演の思い出、そして巨匠ヤン・パネンカとのこの作品の共演の思い出等をトークで熱く語っておられた。ヤン・パネ

ンカへの熱い思いが心に残った。

そしてこの日の演奏、将に豊かなパッション、その人柄と語りのように雄弁で熱い演奏。

ヴァイオリンの熱い問いかけに、ピアノも心をこめて答える。ゲーラさんのピアノも見事。

この作品が循環形式で作られていることが、循環主題が明確に奏されることで聴くものに強く印象付けられる。

細部まで丁寧でありながら、全体の構成がかっちりとしており、その厳格な構成の中に熱いロマンが浮かび出てくる。この経験、この豊かさ、誤解を恐れず言うなら、ここ

まで積み上げてきた黒沼さんの人生の証か。若い演奏家には決して真似することのできない、風格と豊かさ。この作品は過去黒沼さんの演奏で数回聴いた覚えがあるが、今

日の演奏は確かに総決算で、頂点。

第二部は東日本大震災へのレクイエムの意味と、黒沼さんの日本への熱い思いが伝わる構成・

この日は、天皇・皇后両陛下がご来臨との話は聴いていたが、第２部からご入場。

入場のアナウンスも、起立を促すアナウンスもなく、静かにご入場だったが、その瞬間は聴衆全員が起立拍手で自然にお迎え。気持ちの良い交流の時間。

皇太子時代からのご縁とのことであるが、リベラリストの黒沼さんと皇室とのご縁は意外な感もするが、そうではなく、この様な文化を通じての交流こそ大切なことではな

かろうか。

２部の最初２曲は、マルティヌーとポンセ。黒沼さんの３つの故郷の内の２つの故郷、チェコとメキシコの作曲家の作品であり、過去繰り返し弾いてこられた作曲家の作品。

マルティヌーは珍しいセレナーデ第2番(２台のヴァイオリンとビオラの為の)。マルティヌーと大科学者アインシュタインとのこの作品にまつわる面白いエピソードがプレ

トークで語られた

津波ヴァイオリンということで、どのような音が出るかと興味深かったが、非常に豊かな響きがホールを覆った。

この響きを聴くたびにあの惨禍を思い出すのはつらい事かも知れないが、記憶を風化させないためには大切なことだろう。

次はポンセのこれも珍しい「二重奏ソナタ(ヴァイオリンとビオラのための)」。

ポンセはエストレジータで有名なメキシコの作曲家であるが、日本では演奏される機会はそう多くはない。

マルティヌーもポンセも大作曲家でありながら、日本での聴く機会の少ない作曲家、それらを黒沼さんは好んで演奏し、紹介してきた。

どちらの作品も、底に強い民族的色彩を感じさせる作品。

同じアカデミーで活動してきたご三人の息の合った楽しげなアンサンプルが印象的。

再びゲーラ氏のピアノ伴奏で、清瀬保二のソナタから一楽章レント。

日本の原風景を想起させるような、懐かしく暖かい曲想が、太く豊かなヴァイオリンで歌われる。

そしてプログラム最後はスメタナの「わが故郷」より。クラ研のコンサートでも取り上げられたスメタナの名作。

あれから４０数年、精魂をこめての演奏はまるで強い望郷の念の叫び。スメタナの望郷の念と、黒沼さんのそれが重なりあって聴こえてくる。チェコ、メキシコ、日本と３

つの祖国を持っていて、やはり生まれ育った日本への思いが一番強いのであることがひしひしと伝わってくる音楽。

それは、あの強い精神力を有し、異国と日本の文化交流を逞しく成し遂げてきた一人の女性であるからこその気持ちなのだろう。

スメタナの後、「両陛下、皆様の前で今までお話しなかったことをお話します。私は日本へ戻ってまいります。」と力強く述べた彼女の目に涙が浮かんでいたのは、その思

いの強さであったろう。

今日のリサイタル全般で、彼女のヴァイオリンは、一人の音楽家として、人間としての自分の歩んできた人生の力強い表現であり、それは作曲家を通じての強い自己表現と

いうことなのだということを、強く感じた。

人間の喜び、悲しみ、怒り、そして誇り、それらが豊かに表現される音楽、だからこそ共感し励まされる、それが音楽の力であり、音楽家の力であろう。

プロの音楽家としての揺ぎ無い自己表現が聴くものの心に強く迫る、これは若い音楽家が絶対に学ぶべき姿勢であるだろう。音楽を通じて聴くものにメッセージを与えるこ

と、それがプロの音楽家だと感じる。

日本へ戻ってからは、江戸時代にメキシコの船が遭難した際、多くの船員を御宿の村の人が救ったという日本とメキシコの友好の象徴の地、房総御宿に居を構え、日本とメ

キシコを行き来する日となるようだ。

オーケストラ・アンサンブル金沢第344回定期演奏会

2014年1月8日　石川県立音楽堂コンサートホール

指揮　井上道義

ソプラノ　　　　　中村　理恵

カウンターテナー　藤木　大地

今年もニューイヤーコンサートがやってきた。11月の定期以来なので、音楽堂が新鮮に見える。

この年になると、ニューイヤーをいつまで平常心で聴く事ができるかという、少々心もとない思いが忍び寄ってくる。

さて、OEKのニューイヤーは、いつも一ひねりがあり刺激的である。

昨年は前半がゴルンコルトという隠れた作曲家の作品を並べたが、今年は前半をヘンデルでまとめている。

それ以前もオールベートーウーェンであつたり、ショスタコーヴィッチやピアソラを持ってきたり、一柳慧の新作があったりと、独創的なプログラミングが多く造られてい

た。今年は何をするのかという、形にとらわれないスリリリングな面白さがOEKのニューイャーの面白さ。

今年は前半がヘンデル、「水上の音楽」から、オペラのアリア、そして合奏協奏曲Op6.12番で閉めるというもの。後半はウィーン音楽というプログラミング。後半は恒例の

「青きドナウ」を除いては、オペレッタを中心に持ってきている。

ゲストに実力派の二人の歌手、ソプラノの中村理恵、カウンターテナーの藤木大地を据えて、中身の濃いコンサートなった。

ヘンデルの「水上の音楽」からは、序曲、エアー、ブーレ、アラ・ホーンパイプ。

第一Vn2名、第2Vn、Vra1名、チェロ、コントラバス1名、オーボエ2名という小編成、指揮者なしで始まり、徐々に編成を大きくし、最後のアラ・ホーンパイプではフル編

成で井上マエストロも加わり、華麗な祝典的な雰囲気で全曲を終わるという構成。室内楽的な面白さから、徐々にオーケストラの面白さへと移行するという、室内オーケス

トラとしての実力が試される演出。

序曲、エアーのアンサンブルの妙味、そして最後のアラ・ホーンパイプの金管を加えた華麗な盛り上がりと、ヘンデルの音楽の面白さが十分発揮された演奏

次に、歌劇「リナルド」から2つのアリア。中村理恵と藤木大地の二重唱はソプラノとカウンターテナーという珍しい組み合わせ。通常はテノールで歌われると思われる部

分をカウンターテナーが歌うという、違和感があったが、両者の歌唱力は見事。次の中村理恵のアリアも、バロック的な造形間の中に、豊かな感情が篭められ、ヘンデルの

オペラの面白さの一端を聴かせてくれた。バロックは、古いというイメージでなく、豊かな人間の感情が篭められた音楽だとの認識を新たにさせてくれた。

前半最後の合奏協奏曲。ノンビブラートのピリオド奏法で演奏されながら、痩せた響きでない、厚みのあるアンサンブルと、明確な構成感が、ヘンデルの音楽の大きさを示

していた。

がっちりとした構成の中に、音楽の重層的な仕組みが浮かび上がり、躍動感と前進性が全曲を支える、スケールの大きいバロック音楽を聴くことができた。

後半は、恒例のウィーン音楽。

オペレッタが中心となり、最初は「こうもり」から序曲とアリアが二つ。有名な序曲は、緩急の交代が激しい、オケにとっては難曲と思うが、今日の演奏は見事。歌うとこ

ろはたっぷり表情豊かに歌い、舞踏的な激しい部分ではリズムにそのり、この序曲の面白さを十分に堪能できた。

アデーレのアリアを中村理恵が表情豊かに、そしてコロラトゥーラの技巧を十分に駆使して歌い、オルロフスキーのアリアを藤木大地がカウンターテナーで見事に歌うとい

う、2つのアリアも楽しく聴かせてくれた。

オルロフスキー役はアルトて歌われる事が多いが、元々カウンターテナーが役にはふさわしい訳だから、今日はその本来のオルロフスキーが聴けたわけ。

2月には「こうもり」の新演出が東京芸術劇場、金沢音楽堂の両ホール共同制作で上演されるようだが、楽しみだ、

次に間をおかず、「天国と地獄」の有名な「カンカン」と「ホフマン物語」からの舟歌がオーケストラで演奏された。

これは、恐らくオッフェンバックの「パリの賑わい」からの抜粋と思われる。「カンカン」では井上マエストロのパフォーマンスは全開、金管もそれに載り、刺激的なカンカン。

次に「ヴェネツィアの一夜」より序曲とアリア。

井上マエストロはオペレッタの序曲が得意な様。実に表情豊かで、メリハリがあり、楽しく聴かせてくれる。

オーケストラも指揮者に載せられ、軽快で華麗。管楽器のソロの表情も艶麗。

アリアは中村理恵がワイングラス片手に、酔っ払った表情を見せながらの熱演。声も華麗で、歌も演技も壺にはま

って楽しい。原曲は有名な「アンネンポルカ」

プログラム最後は「青きドナウ」

ウィーン風な情緒たつぷりの演奏とは異なる、さっそうとした、スピード感のあるドナウ。好みではあろうが。このワルツにしては、少々ドライすぎる。そのあたりは、マ

エストロ、十分に承知しながらの自分流の演奏であるのだろう。

アンコールは藤木大地のカウンターテナーで山田耕作の「ペチカ」。珍しいカウンターテナーでの日本歌曲。これも、しみじみとした哀感をただよわせた名唱。

アンコール最後はヘンデルの「ハレルヤコーラス」の管弦楽版。定番のラディツキーマーチを避けて、ヘンデルで締めくくるという、最後までひねった演出。「ハレルヤコ

ーラス」の破天荒な明るさは、新年にふさわしい幕明け。

今年も、楽しく、中身の濃いニューイヤーコンサートだった。　

来年もニューイヤーを楽しく聴く事がてぎることを祈る。

ワーグナー　楽劇「トリスタンとイゾルデ」(コンサートスタイルオペラ)

2013年11月17日　オーバードホール

指揮　チョン・ミョンフン

トリスタン　　　アンドレアス・シャガー

イゾルデ　　　　イルムガルト・フィルスマイアー

マルケ王　　　　ミハイル・ペトレンコ

クルヴェナール　クリストファー・モールトマン

メロート　　　　大槻　孝志

ブランゲーネ　　エカテリーナ・グバノヴァ

牧人・若い水夫　望月　哲也

舵手　　　　　　成田　博之

合唱　　　　　　新国立歌劇場合唱団

管弦楽　　　　　東京フィルハーモニー交響楽団

ワーグナーの大作、楽劇「トリスタンとイゾルデ」の全曲がコンサート形式ではあるが富山で、チョン・ミョンフンの指揮の下で演奏された。恐らく、富山でこの楽劇の全

曲が公演されるのは初めてではなかろうか?

今回の公演は東京、福岡、富山のみの公演のようで、貴重な機会を得ることができた。

「トリスタンとイゾルデ」については、相当以前TV中継で、ベルリンドイツオペラの公演を見た記憶がある。

詳細な部分までは思い出せないが、強烈なインパクトを受けた体験だけは鮮やかに思い出す。

今回の公演は、コンサート形式ではあるものの、歌手、オーケストラ、合唱団、そして指揮のチョン・ミョンフンと、ベストに近い組み合わせで、力の篭った舞台を展開、

この楽劇の醍醐味を十分に味合わせてくれた。

オーケストラの編成は大きく、弦はコントラバス8台の18型。舞台外にもイングリッシュホルン、ホルン、トランペット、トロンボーンを配置する大掛かりな編成。合唱団

は男性のみの約50名。(1幕のみ)広いオーバードホールの舞台も一杯に埋まる。

とにかく、ワーグナーの楽劇、その長さは尋常ではなく、「トリスタンとイゾルデ」も3幕、途中休憩を含めて5時間近い長丁場、歌手も、オーケストラも大変な緊張を長

時間持続しなければならない過酷な楽劇であるが、今回の公演はすべてにおいて完璧に近く、凝縮された心理ドラマが展開され、大きな感銘を受けた。

「トリスタンとイゾルデ」は音楽史の中でも、エポックメーキングな作品であり、ロマン派の崩壊から、無調、12音音楽へと道を開いた作品でもある。

全曲にわたって音楽は切れ目無く続き、ライチモチーフが不断に続き、まるで人間の深層心理を抉り出すが如く音楽は雄弁に語り、高揚し、静まる。それまでの調和の音楽
]
から、不安定な音楽へ、それはこのドラマにとって必然の選択であり、ワーグナーが生きた19世紀末の不安な時代を明確に象徴している。

有名な「1幕への前奏曲」が静かに、しかし濃密な響きを持って開始される。チョン・ミョンフンはこの部分、テンポを異様に落とし、こドラマの濃密さを一層象徴するよ

うに抉り出すような流れの音楽を作り、この楽劇の全体のテーマをこの前奏曲で描き出していた。

この楽劇では、アリアと呼べるような歌は少なく、すべての音楽が連結し、モノローグ、独白という様な部分の連続であり、歌手は長い部分では数十分にわたり歌い続けな

ければならない。良く、「ワーグナー歌手」と呼称されることがあるが、長く続くドラマティックな声を要求されるわけであり、それが可能な歌い手のみがワーグナーを歌

うことができるということであり、そのことを今回は再認識させられた。

イゾルデ役のイルムガルト・フィルスマイアー。まだ若い歌い手の様であるが、声の質は実に太く豊か。オーケストラの大きな波のような音量にも埋まることなく、その声

はホールの隅々まで届く。1幕での過去を振り返り、複雑な心境を語る部分、2幕のトリスタンとの愛の高揚の部分、そして終幕の最後の「愛の死」と、心の襞を語り、そ

して大きな愛の喜び をオーケストラとともに歌い上げる様は圧巻。

トリスタン役のアンドレアス・シャガー。印象としてはワーグナー歌いとしては意外なほど細身!!そして声の質も重くなく、輝かしい。新しいタイプのワーグナー歌手か。

勇士トリスタンと、愛におぼれ、そして死の救いを待つという二つの人間の心理をリアルに表現していた。やはり、声のボリュームは凄く、2幕のイゾルデとの恍惚の愛の

分は、将に絶唱。管弦楽の咆哮に負けない愛の歌。更に3幕の瀕死のモノローグの凄さ、スケールも表現力もとてつもなく大きいテノール。

マルケ王のミハイル・ペトレンコ。2幕の裏切られた王の心理を表現する長いモノローグ。バスの憂いに満ちた表現が秀逸。そして、イゾルデの侍女ブランゲーネ役のエカ

テリーナ・グバノヴァ。柔らかい声の質で、イゾルデを慕い、敬い、忠実に守ろうとする役柄を誠実に表現。

その他の歌手もいずれも熱演。

オーケストラは東京フィル。新国立劇場の専属オーケストラだけあって、実に雄弁で、オペラを知り尽くしている。

各パートも巧み。ワーグナー独特の厚みのある重層的な響きが堪能できた。弦楽器、特に低音弦の重く、くぐもる様な響き、そして管楽器の厚く重厚な和音など実に魅力的。

チョン・ミョンフンは長丁場、どの部分も弛緩することなく、緊張に満ちた音楽作り。

この楽劇はドラマ的な起伏は乏しいのではないかという先入観を払拭させる、人間ドラマとしてもスリリリングで、長時間を忘れさせる面白さ。

1幕の終結部分のイゾルデとトリスタンを乗せた船がマルケ王の下に到着しようとする場面、そして二人が毒薬と思い込んだ媚薬を飲むシーンなど、劇的に音楽が展開し、

興奮をもたらす。

3幕のイゾルデの到着を待つ、トリスタンとクルヴェナールの場面は、ベートーヴェンの「フィデリオ」の終幕部分を彷彿とさせる緊張に満ちた展開。

ワーグナーの楽劇を全曲聴ける機会は地方では皆無に等しい。そして、真価はやはり全曲を聴いてこそという実感。

残念なことにやや少な目の聴衆ではあったが聴衆の多くが興奮し、充足していたことは、聴衆のスタンディングオベーョンにも現れていた。

この様な貴重な機会を提供いただいたことを、オペラとしては異例な低価格(4階の前列真ん中の席で、会員価格4,500円)で聴く事が出来たことも含め、主催の富山市民文化

事業団の尽力とチョン・ミョンフンに感謝である。

オーケストラ・アンサンブル金沢第343回定期演奏会

2013年11月 14日　石川県立音楽堂コンサートホール

指揮　ギュンター・ピヒラー

ホルン　ラドヴァン・ヴラトコヴィッチ

OEKでは、客演の指揮者としては一番多い定期を指揮していると思われるギュンター・ピヒラーの2年ぶりの登場。

そして、2年前にやはりピヒラーと共演したホルンの世界的名手ラドヴァン・ヴラトコヴィッチとの再共演。

その際はR・シュトラウスの18歳の作品、1番の協奏曲であったが、今回は晩年の2番の協奏曲。

ピヒラーは私の記録に基づくと、2003年、2004年、2006年、2009年、2010年、2011年と私が定期を聴き始めてからで6回登場している。定期の常連指揮者といえる。

最初の頃はピヒラーの厳しい要求に、やや戸惑いもあったような感も感じたが、再演を重ねるに従い、OEKのアンサンブルも緻密さを増し、ピヒラーの作り出そうとする音

楽が明確に表現されてきたように感ずる。

ピヒラーのレパートリーはそれ程広くは無く、過去6回でも、ベートーヴェンが2番、6番、8番、ヴァイオリン協奏曲と多く、後はモーツァルト、ハイドン、シューベルト

とウィーン古典派の音楽を中心に固めているのが特長。

その中で後期ロマン派のR・シュトラウスは得意としているようで重ねて取り上げている。

自らのレパートリーをウィーン派の作曲家で固めているのが特長か。

今日のプログラムも例外ではなく、シューベルトの交響曲5番、R・シュトラウスのホルン協奏曲2番、そしてハイドンの交響曲第92番「オックスフォード」というもの。

ピヒラーの音楽は、将に正統的なもの。楷書作りの音楽とでも形容できようか、細部をいじることなく、テンポも中庸、アンサンブルも緻密、実に立派な構築物を思わせる。

シューベルトでは、いつもの通り、出だしの暫くは弦の響きの硬さが気になったが、進むにつれて楽器も温まってきたのか柔らかい響きが生まれてきた。いつものOEKの対

向配置とは異なり、第一Vn、第二Vn、Ce、Vra、後ろにCbs、という一般的な配置。これは、やはり四重奏団を長く経験してきたピヒラーの響きへの執着か。

弦楽器を中心とした小ぶりな編成の作品だが、シューベルト独特の歌が溢れた作品。もう少し、遊びがあってもと思わせるようなきちんとしたたたずまいの演奏だった。

ヴラトコヴィッチのR・シュトラウス2番の協奏曲。先回は1番だったが、今回はその60年後に作られた最晩年の作品。ここでは、ヴラトコヴィツチの変わらぬ巧さに脱帽。

自由自在にホルンをあやつり、千変万化の音色を生み出す。特にホルンが木管楽器とも思わせる柔らかく豊かな響きが際立って見事。まるで囁くような最弱音からブラスの輝かしい強

音まで自在にあやつる様はまるでホルンの魔術師。

R・シュトラウス晩年の諦念と、過去を振り返る憧れとが入り混じったような、澄み切った広さが感じられる音楽を、ヴラトコヴィッチは実に表情豊かに歌い上げる。これだけの技巧があるか

ら、自由自在な表現が可能であると改めて感じさせられた。

オーケストラも充実したバック。特に管楽器の響きがヴラトコヴィツチに引き込まれるように豊かに鳴っていた。ホルンも今日は素晴らしい響きでヴラトコヴィチと競演。R・シュトラウスの巧

みな管弦楽法が緻密に浮かび上がり響いた。

ヴラトコヴィッチはアンコール。メシアンとのことだが、これはまるで魔法のパイブを聴くよう。最弱音では、まるでもう一本のホルンがはるか遠くから響いているような効果。最後は弱音が

消えていくように終わる。

休憩後はハイドン交響曲第92番「オックスフォード」。

井上監督も多く演奏し、OEKの得意とするハイドンだが、ピヒラーは音楽の品格とでも言えるような、格調の高いハイドンを聴かせてくれた。テンポ、リズム、ハーモニー

、どれ一つとっても崩れることが無い。

ハイドンのがつちりとした構成とアンサンブルがきちんと表現されている。あいまいさを許すことの無い、厳格なハイドンとも形容できる。

ピヒラーの音楽は厳格で、隙の無い音楽作りということが最大の特長と思える。それ故に、オーケストラに対する要求は厳しいものがあるのだろう。

以前はピヒラーの意図は理解できるものの、オーケストラが答えられないため、不安定、不完全な演奏と思えることもあった。

約10年間ピヒラーの音楽を聴いてきて、OEKが10年前と比較し、ピヒラーの要求に答えられるオーケストラに成長してきたことを今回改めて感じた。

一つのオーケストラと指揮者を長い間聴いてきた充実感を感じた今回の定期。

オーケストラ・アンサンブル金沢第342回定期演奏会

2013年10月26日　石川県立音楽堂コンサートホール

指揮　井上　道義

今年のマイスターシリーズ定期演奏会の初回。

今年のマイスターシリーズはベートーヴェンの交響曲を1年間にわたり5回で全曲演奏するという企画。更に、各回に現代作品を1曲挟むという、OEKらしいテーマ性を持っ

た企画。

井上監督が1番、4番、5番、7番、9番をラルフ・ゴトーニが6番と8番を、アレキサンダー・リブライヒが2番と3番を指揮する予定。

OEKは発足当初から故岩城名誉監督の意思で、日本の現代作曲家の作品を意欲的に取り上げてきたオーケストラ。

そして、恐らく最も演奏回数の多い作曲家はベートーヴェンであることを考えると、この2つの柱をもう一度現在の時点でのOEKの成長の証として演奏することは大いに意

義のあることと思える。更に、OEKが委嘱した作品を再演していくことは、会員の立場からして、作品の素晴らしさを再体験できるという点でこれも意義あることと考えら

れる。

今回はその第1回で、ベートーヴェンの交響曲1番、7番、そして一柳 慧の交響曲第7番「イシカワ・パラフレーズ」(岩城宏之の追憶に　2007年度OEK委嘱作品)というもの。

井上色の明確なベートーヴェンの演奏。そして、充実したOEKの響きに溢れたOEKの成熟を聴かせてくれたベートーヴェンの全曲演奏会の始まりの演奏会だった。

第1番。虚飾を廃し、ベートーヴェンの音楽の革新性に迫った迫力と集中力に満ちた演奏。

対向配置、バロックティンパニーの使用、ノンビブラート等、ピリオド演奏のスタイルではあるのだが、痩せた印象でなく、ベートーヴェンの音楽のスケールの大きさが感

じられる。40人程度の室内オケとは思えない、充実した響き。

バロックティンパニーの乾いた響きも厳しさを盛り立てる。テンポは中庸で決して煽ったりする事は無いのだが、音楽は常に前へ前へと進む。一つ一つのフレーズが緩くな

ることが無く、ぎっしりと詰まった中身の音楽が展開される。一つ一つの音に力が漲っているとでも形容できる音楽。

4楽章終結部の終わり方。力強く最後の和音が鳴らされた途端に。スット音がディミヌエンドで消えていく効果はこの作品を聴いてきて初めての体験。強烈な印象を与えて

くれた終結だった。

強い響きで満たされる点は7番でも同様なのだが、7番では更に執拗にリズムのパターンが強調される。

旋律線を、強烈なリズムの刻みが押しつぶすような様相は、このシンフォニーの本質を明示していた。

2楽章もセンチメンタルな面を全く打ち消し、粛々とリズムが刻まれていく。質素でひそやかな流れが2楽章の美しさを際だたせる。

4楽章も強烈なリズムの祭典。全曲を通して、様々なリズムが形を色々変えこの交響曲を形作っていく様が明瞭に示される。

さて、ベートーヴェンの音楽はその様な様々な意味で当時から真の意味での前衛音楽であったわけだが、今回それに現代最も新しい音楽を組み合わせたのはある意味プログ

ラミングとして極めて妥当であると考える。

ベートーヴェンの音楽が現代も生き残っているだけでなく、現代に生きる私たちにとっても勇気付けられ、励まされ、慰められる音楽であるのは、やはり音楽の内容が革新的であるのみでなく、普遍的なものである点でもある。

現代に生まれる作品が生き残っていくためには、やはり作られるだけでなく、再演され、聴衆が評価していくプロセスが絶対に必要なことであり、今回のシリーズはその意

味でも評価されるものと思える。

一柳 慧の響曲第7番「イシカワ・パラフレーズ」(岩城宏之の追憶に　2007年度OEK委嘱作品)は2008年の1月のOEKニューイヤーコンサートで初演された作品。ニューイヤ

ーコンサートで世界初演曲が演奏されることもOEKならではのことである。その当時の感想でも記したが、非常にコンセプトが明確で、又「前衛の旗手」一柳 慧らしから

ぬ、難解さの無い聴きやすい作品であったことを思い出す。

今回再演を聴いてもその思いは変わらない。この作品のテーマには、その副題が示すとおり、亡くなった岩城宏之に対する痛切な哀悼、そしてもう一つはその前年に起きた

能登沖地震で被災した方たちへの励ましの意味もテーマとして含まれていると思われる。

冒頭部分の沈痛なテーマはそれを明確に示している。さらに前半の緩やかな部分では、金沢の伝統芸能である能も表現される。前半の激しい部分では、土着の民謡の表現を

通して、力強く生きようとする人々を、後半の静かな部分では現在と未来への静かな祈りを、そして最終部分では困難を乗り越え生きようとする人々の力強い歩みを表して

いるように聴こえる。この様に、この作品は一柳 慧の作風としては珍しいテーマ性が明確な作品で、聴く者にとってもコンセプトが明瞭に伝わってくる作品でもある。

今回は名手工藤重典がフルートの主席を勤め、この作品でも素晴らしいフルートソロを聴く事が出来た。

先回再演された西村朗の「鳥のヘテロフォニー」も再演され改めてその面白さを再確認したが、やはり再演されることは、その作品の評価を確かめる意味でも大切であり、

今後とも是非続けてほしいものである。今まで、コンポーザーイン・レジテンスで初演された作品は20曲以上に上るはずであり、それらの再演も是非期待したいものである。

今回のシリーズは25周年を迎えるOEKにとって、色々な意味で、その成長の歴史を振り返り、更に新しい世界へ進んでいくのにふさわしい、「確認と進歩」のシリーズであ

る様に思える。

オーケストラ・アンサンブル金沢第341回定期演奏会
2013年9月17日　石川県立音楽堂コンサートホール

 ピアノ　辻井　信行
指揮　　ウラディミール　アシュケナージ

フィルハーモニーシリーズ今期最初の定期演奏会は、辻井信行、アシュケナージという豪華な顔合わせ。

チケットは完売、補助席の出る盛況ではあるが、3年前の同じ顔合わせによる演奏会の際の熱気からはやや落ち着いた雰囲気。

今日のプログラムはメンデルスゾーン、序曲「フィンガルの洞窟」、ショパン「ピアノ協奏曲第2番」、後半がシューマンの交響曲第2番。ツァーでは、グリーク「ピアノ協

奏曲」、ベートーヴェン「交響曲第7番」が組まれているところもある。

201年の際も、この二人の暖かい音楽性に触れ、充実した思いで聴いたことを思い出す。

昨年は富山でも辻井はリサイタルを開き、豊かな音楽性に満ちた個性あるドゥュッシーなどを聴かせてくれた。

最初のメンデルスゾーン、序曲「フィンガルの洞窟」、出だしの絃の響きは最初とあってやや硬く、アシュケナージのエンジンのかかり方ももう一つという感があったが、

自然な音楽の流れ、感興の高まりはアシュケナージ独特のもの。決してオーケストラを煽ったりしない、オーケストラの内側から沸いてくる力を音に変えようとするような

自然な音楽。しかし、オーケストラの響きは分厚く柔らかい。このあたりが最後のシューマンの演奏での素晴らしい演奏につながっいく。

ショパンの「ピアノ協奏曲第2番」　3年前の金沢では1番だった。

富山でのリサイタルの際も感じたが、盲目であることのハンディーを、メリットに変えてしまう凄さを彼のピアノからは感じる。楽譜を頭の中に展開する際、それは記号で

はなく、一つ一つの音の連続した流れとして彼の頭の中では変換されていく、それが卓越した感性と技巧の手により再現されていく。目で楽譜を理解するのでなく、頭と心

の中で理解していく。

だから、ショパンの音楽の息遣いが、生々しく再現され、それは辻井のショパンを再現する喜びとなって表現されていく。

2楽章のセンチメンタルともいえる旋律も、彼は淡々と、リズムを刻んでいく。過度な表現は抑えながら、それでいて新鮮で生き生きとした音楽が紡ぎだされていく。手垢

にまみれた音楽でない、いつも今彼の手の中で生まれたような新鮮な音楽。これが辻井の音楽の個性であり、聴く者をひきつけていく。

テクニックも相当なものだが、それをひけらかすのでなく、自らの音楽を表現する手段として駆使していく。音はすべてクリアで、泡立ちが美しい。

恐らく彼のピアノは年を経るごとに、成長に合わせて変化していくことだろう、その変化を今後の一層の楽しみとしたい。

今回もマネージャーではなく、アシュケナージが辻井の手をとり舞台に現れた。かつてのピアノの名匠と今期待の若手が手を取り合い登場する姿、アシュケナージの辻井に

注ぐ暖かい視線が印象的。

アンコールにノクターン嬰ハ単調。これも自然体のノクターン

後半はアシュケナージの指揮で、シューマンの交響曲第2番。

シューマンの交響曲の中では地味な作品。

アシュケナージはこのやや地味な交響曲を、厚い響きと、推進力に満ちた情熱豊かな表現で演奏。

なにより音楽に緩みが無く、響きに力がみなぎっている。シューマンの熱いロマンが溢れ出ている。

シューマンにしては、やや明るめで、厚い響きでありながら、全体の見通しは非常に良い。これは、OEKという小編成のオーケストラであるからかもしれない。

シューマンの音楽は非常に複雑で迷路的なところがあるが、アシュケナージはそのあたりをうまく整理して、シューマンのロマン的な音楽の良さを存分に表現している。

シューマンの情念に埋没していくような演奏、それを避けあっさりと味付けしていく様な演奏、シューマンの演奏スタイルにはそのような2面があるようだが、アシュケナ

ージはそのどちらにも偏らない。

全体は見通しの良い音楽でありながら、十分に情熱、情念というものを浮かび上がらせる。

この様な演奏で聴くと、シャーマンのこの交響曲の面白さがくつきりと浮かび上がる。

1楽章のうつうつとした表情と、4楽章のはじけるような音楽の対比、1つの交響曲の中にこの様な2面性があるのがシューマンなのだろう。

OEKもアシュケナージの意図を忠実に表現、オーケストラとしての質の高さを示していた。

4楽章のコーダの輝かしい表現など、これまでのシューマンの音楽に抱いていた先入観を払拭するような堂々としたエンディング。

アンコールにラフマニノフのヴォカリーズ管弦楽版。これも、暗い美しさに溢れた厚みのある響き。

舞台を去る際、オーケストラト一緒に、コンサートミストレルのヤングと談笑しながら去るアシュケナージ、オーケストラとフレンドリーな関係を造ろうとする指揮者らしい印象的なシーン。

この後約1ヶ月、OEK・アシュケナージ・辻井のコンビで東京、名古屋、大阪等10箇所でのツアー。チケットはいずれも完売の様だ。